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Dec 03, 2023

Les Grammys

Photo : Ron Galella/Ron Galella Collection via la liste Getty Images A&E/Lifetime's

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Le dernier documentaire d'A&E/Lifetime, "TLC Forever", présente des images inédites et des histoires inédites sur l'héritage emblématique du groupe, de leurs tribulations à leurs triomphes.

Lorsque Tionne "T-Boz" Watkins, Lisa "Left-Eye" Lopes et Rozanda "Chilli" Thomas ont uni leurs forces en tant que TLC, le paysage des groupes de filles a changé à jamais.

Au cours de leur course exaltante, TLC a battu des records, établi de nouvelles tendances de style et mis en lumière des questions importantes telles que le VIH / SIDA et l'image corporelle. Leur son unique et leur volonté de prendre des risques ont contribué à consolider leur statut de l'un des groupes féminins les plus vendus de tous les temps. Et maintenant, leur héritage est immortalisé sur film.

TLC Forever, un nouveau documentaire présenté en première sur A&E/Lifetime le 3 juin, plonge dans les hauts et les bas drastiques des 30 ans de carrière du trio. Parmi leurs nombreuses réalisations incroyables, il y a eu aussi beaucoup de luttes, y compris la faillite, des bagarres qui ont fait la une des journaux et des tragédies. Comme Watkins l'a déclaré en plaisantant aux GRAMMY de 1996, "TLC laissera cette entreprise se souvenir de beaucoup de choses."

Le film de près de 120 minutes suit le trio musical emblématique de leur première rencontre à la mort prématurée de Lopes en 2002, et suit Watkins et Thomas alors qu'ils se préparent à se produire au Festival de Glastonbury 2022. Ce sera particulièrement spécial pour les fans, car le doc voit Watkins et Thomas regarder les images rares avec le manager de longue date Bill Diggins en temps réel.

Que vous connaissiez l'histoire de TLC ou que vous souhaitiez en savoir plus, TLC Forever vaut le détour. Ci-dessous, jetez un œil à cinq points clés du documentaire.

Au printemps 1994 – à peine cinq mois avant la chute du best-seller CrazySexyCool de TLC – Lopes a cherché à se venger de son petit ami de l'époque, l'ancien receveur des Falcons d'Atlanta Andre Rison. Après l'avoir prétendument surpris en train de tricher, Lopes a mis le feu à une paire de ses baskets dans une baignoire de son manoir à deux étages, qui s'est ensuite propagée au reste de la maison.

Accusée d'incendie criminel, placée en probation de cinq ans et condamnée à une amende de 10 000 dollars, la rappeuse alors âgée de 23 ans n'a jamais été en mesure d'ébranler sa réputation "folle" provoquée par l'incident. Cependant, TLC Forever découvre des détails qui donnent à ses actions plus de contexte.

Dans le document, Thomas décrit la relation de Lopes et Rison comme "toxique", avant d'ajouter que "il se passait toujours quelque chose". Des mois après avoir commencé à sortir ensemble, Lopes et Rison se sont disputés dans un parking d'épicerie, où Rison l'aurait agressée et aurait tiré un coup de semonce pour empêcher les passants de s'impliquer.

"Je me sentais tellement mal pour elle, parce que quand je suis entré dans la pièce, je me souviens juste de l'expression de son visage", a déclaré Watkins dans le film, faisant référence à l'incendie de la maison. "Ses ongles étaient cassés, elle était écorchée, contusionnée et saignait, et le monde entier la regardait comme : 'Qu'as-tu fait ?' Et tout le monde n'a pas répondu comme ils auraient dû."

Comme de nombreux fans le savent, Lopes avait protesté contre le premier single "Creep" de CrazySexyCool en raison de ses paroles faisant la promotion de l'infidélité (en particulier au milieu de l'épidémie de sida en cours, qui a fait près de 42 000 morts rien qu'aux États-Unis la même année). De plus, le top du classement allait à l'encontre de ce pour quoi TLC était connu : porter des préservatifs sur des vêtements amples comme moyen de défendre des rapports sexuels protégés.

Bien que la chanson ait en fait été inspirée par les propres problèmes relationnels de Watkins, Lopes craignait que Rison pense qu'elle le trompait, déclenchant peut-être davantage d'abus présumés au sein de leur relation tumultueuse. Ainsi, pour le remix, elle a écrit un couplet avertissant les auditeurs des conséquences du fluage : "Creepin' peut provoquer un comportement hystérique dans l'esprit/ Mettez votre vie dans une impasse et dans le temps/ Faites de vous la victime d'un crime passionné", rappe-t-elle.

Au début de la romance de longue date de Thomas avec le producteur de LaFace Dallas Austin, elle est tombée enceinte avant le premier album du trio, Oooooooohhh... On the TLC Tip, qui a mis en péril son avenir avec le groupe. Ne recevant pas beaucoup de soutien d'Austin et craignant que le manager de l'époque, Perri "Pebbles" Reid, ne le découvre, Thomas a eu un avortement à contrecœur à l'âge de 20 ans, qualifiant cela d '"expérience horrible" dans le documentaire.

"Après cela, j'ai probablement vécu une sorte de dépression. Je ne pouvais pas me pardonner", dit-elle. "J'ai juste ressenti cette énorme culpabilité pour ce que j'avais fait, et cette culpabilité de ne pas avoir été correctement traitée est ce qui m'a fait m'attacher davantage à Dallas."

En 1997, Thomas et Austin ont eu un fils nommé Tron, qui a agi à bien des égards comme une fermeture pour le chanteur. "Une fois que j'ai eu Tron, cela a vraiment mis en perspective la relation que j'avais avec Dallas. Il était clair que ce n'était pas une relation fonctionnelle, saine et aimante", admet-elle. Ils se sont séparés quelques années plus tard, travaillant toujours ensemble de manière créative et coparentalité de leur fils, qui a maintenant 26 ans.

En savoir plus:L'évolution du groupe de filles : comment TLC, BLACKPINK, The Shirelles et d'autres ont élevé l'expression féminine

Bien que CrazySexyCool ait vendu 15 millions d'exemplaires dans le monde, engendrant deux succès n ° 1 sur le Billboard Hot 100 et remportant deux GRAMMY, TLC a déposé le bilan du chapitre 11 en 1995 avant de s'arrêter pendant cinq ans, prolongé par des tensions au sein du groupe. Dans les mois qui ont précédé le troisième effort en studio de TLC, FanMail - dont le titre a été inventé par Lopes et dédié aux fans - Lopes a exprimé son mécontentement à l'égard du projet après qu'une poignée de ses chansons aient été rejetées par Dallas Austin.

"Je ne peux pas supporter à 100% ce projet TLC et la musique qui est censée me représenter", a déclaré Lopes dans une interview de 1999 avec Vibe, qui a alimenté les rumeurs d'une rupture. "Ce sera ma dernière interview jusqu'à ce que je puisse parler librement de la vérité et me présenter sur mon projet solo."

À peu près à la même époque, Lopes a défié Watkins et Thomas d'enregistrer des albums solo et a offert un prix de 1,5 million de dollars au membre qui vendait le plus d'exemplaires. Les raps de Lopes ne peuvent être entendus que sur trois des 17 pistes de FanMail – et bien qu'une grande partie de son absence soit certainement due à un conflit interne, Watkins et Thomas ont confirmé que là où Lopes était créative "ne correspondait tout simplement pas" à ce qu'Austin produisait. Au moment du décès de Lopes, elle participait à une retraite spirituelle de 30 jours au Honduras, dont certaines parties ont été enregistrées et publiées en 2007 dans le documentaire posthume The Last Days of Left Eye.

En 2006, Watkins a combattu en privé un neurinome acoustique, une tumeur cérébrale potentiellement mortelle qui reposait sur ses nerfs faciaux, auditifs et d'équilibre. La femme alors âgée de 36 ans a subi une intervention chirurgicale pour retirer la tumeur, un risque exacerbé par ses complications continues de l'anémie falciforme depuis son enfance.

"[Le médecin] a dit qu'au cas où quelque chose tournerait mal et que je ne puisse sauver ni votre ouïe, ni votre visage, ni votre équilibre, donnez-moi l'ordre de vous sauver vous-même", a-t-elle déclaré dans le doc. "Cette industrie concerne votre visage, votre voix, votre danse - c'est tout mon travail. Alors, ils ont pris mon équilibre, j'ai sauvé ma face pour la plupart, [et] je n'ai perdu que trois pour cent [de mon audition] à l'époque."

Watkins a ajouté qu'elle s'était sentie déprimée et peu attrayante pendant de nombreuses années après l'opération, jusqu'à ce que sa mère change de point de vue. "Je me souviens d'avoir regardé dans le miroir un jour et j'ai commencé à pleurer, et ma mère a dit:" Non ". Elle a dit : "Écoute, c'est juste ton retour à la normale. Ce n'est pas comme ça que tu vas rester, ce n'est pas comme ça que tu vas être. C'est seulement ton retour à la façon dont tu as commencé"", se souvient-elle. "J'ai dit:" Ouais, d'accord, si je regarde les choses de cette façon, alors tout ce que j'ai à faire est de survivre à ça et de m'en sortir et je peux être cool.

Maintenant âgé de 53 ans, Watkins est toujours aussi fort. Cependant, le film donne aux téléspectateurs un aperçu plus approfondi de la quantité de préparation nécessaire pour qu'elle puisse jouer sans compromettre sa santé. Avant et après avoir atteint la scène, Watkins doit recevoir suffisamment de liquides et d'oxygène pour maintenir l'inflammation au minimum.

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Watkins et Thomas discutent de l'immense pression qu'ils ont subie de la part de leur label pour aller de l'avant sans Lopes, décédée tragiquement à 30 ans dans un accident de voiture lors de son voyage au Honduras. "Après le décès de Lisa, la maison de disques a dit qu'ils allaient sortir un [album] des plus grands succès si nous ne terminions pas [3D], alors nous nous sommes sentis un peu obligés de retourner en studio", a déclaré Watkins dans TLC Forever. "On nous a donné un ultimatum." Thomas a ajouté: "Nous avions une vision tunnel, finissons-en."

Bien qu'elle soit devenue platine, la 3D a été considérée comme un échec commercial selon les normes de TLC, se vendant à moins de 700 000 exemplaires et son premier single, "Girl Talk", culminant à la 28e place du Hot 100. Après leur première performance live sans Lopes au concert annuel Zootopia de Z100 en 2003, l'industrie de la musique les a apparemment radiés - mais Thomas a dit qu'elle n'avait jamais senti que c'était vraiment fini. Ce n'est que lors de leur concert VH1 Super Bowl Blitz en 2014 que les promoteurs ont commencé à tendre la main, ce qui a finalement conduit à la plus grande performance de leur carrière extraordinaire : monter sur scène à Glastonbury l'année dernière.

"La plus grande récompense, c'est quand vous n'avez plus la chanson n°1 et que vous pouvez vendre vos tournées", déclare Thomas à la fin du film. "Cela signifie que vous avez un travail formidable qui peut résister à l'épreuve du temps, et le temps nous a dit que nous avons bien fait. Nous avons bien fait."

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Photo : M. Caulfield/WireImage pour la chaîne VH-1 - New York

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Que ce soit "Tears of a Clown" ou "Tears in the Club", écoutez quelques-unes des chansons les plus sournoisement tristes d'Outkast, TLC, Avicii et bien d'autres.

En 2003, OutKast a marqué son deuxième hit n ° 1 avec "Hey Ya!" Le morceau intemporel a une énergie optimiste qui vous donne envie de le secouer comme une image polaroid – jusqu'à ce que vous saisissiez ses paroles plutôt malheureuses.

« Sommes-nous si dans le déni quand nous savons que nous ne sommes pas heureux ici ? André 3000 chante sur le deuxième couplet. La ligne qui suit peut résumer sa nature contrastée : "Vous ne voulez pas m'entendre, vous voulez juste danser."

La capacité à faire ressentir (et réagir physiquement) les auditeurs à un large éventail d'émotions fait partie du génie de l'écriture de chansons. Des airs comme "Hey Ya!" - un récit triste déguisé par une mélodie contagieuse - est un tour qui a été maîtrisé par Outkast, REM, Smokey Robinson, Robyn et bien d'autres.

Si vous avez déjà joyeusement dansé sur un rythme avant de réaliser que les paroles du dessus sont en fait une grosse déception, vous n'êtes certainement pas seul. La BBC et Apple Music appellent toutes deux ces morceaux Sad Bangers, un nom approprié pour ce qui est devenu un genre non officiel au cours du dernier demi-siècle.

À la lumière du Mois de la sensibilisation à la santé mentale en mai, GRAMMY.com a compilé une liste de 15 chansons qui vous feront à la fois ressentir vos sentiments et faire bouger votre corps.

La musique entraînante de ce classique de la Motown a été écrite par Stevie Wonder, un gagnant de 25 GRAMMY qui est habile à fabriquer des larmes qui entraîneront votre corps dans une danse joyeuse. La chanson à fond de basson enregistre à 128 battements par minute, un tempo toujours privilégié par les producteurs de musique de danse moderne. Ainsi, lorsque Smokey chante "Les larmes d'un clown / Quand il n'y a personne autour", vous seriez pardonné de vous gonfler un peu pendant que vous êtes dans le groove.

Gloria Gaynor a réinventé le hit pop de 1971 des Jackson 5 "Never Can Say Goodbye" pour l'ère disco. Les vastes arrangements de cordes et le rythme du trot ont contribué à remplir les pistes de danse et à rendre la chanson poignante sur le fait de s'accrocher à son propre amour. D'autres versions de couverture d'Isaac Hayes et des Communards capturent également l'ambiance contradictoire.

Le duo britannique Tears For Fears est devenu internationalement connu après avoir doté son premier hit dansant d'un refrain déprimant et dramatique difficile à ébranler même 40 ans après sa sortie : "Je trouve ça plutôt drôle, je trouve ça plutôt triste, les rêves dans lesquels je meurs sont les meilleurs que j'aie jamais eus." Roland Orzabal et Curt Smith publieront plus tard des plats plus édifiants, tels que "Tout le monde veut gouverner le monde" et "Semer les graines de l'amour".

Kate Bush a eu trois virevoltes dans les charts du monde entier avec "Running Up That Hill", en commençant par sa sortie en 1985, puis en tant que chanson improbable de la cérémonie de clôture des Jeux olympiques d'été en 2012.

"Et si seulement je pouvais, je passerais un accord avec Dieu/Et je lui ferais changer de place/Courir sur cette route/Courir sur cette colline/Sans problème", chante-t-elle dans le chœur de la piste de course, aspirant à être plus sereine.

Plus récemment, un placement dans le drame Netflix Choses étranges en 2022 a valu au numéro de danse larmoyant et mineur dirigé une toute nouvelle génération de fans. L'artiste anglais a récemment été nommé intronisé au Rock & Roll Hall of Fame 2023.

Le chanteur principal de Midnight Oil, Peter Garrett, a canalisé la rage qu'il ressentait face au changement climatique précoce et au manque de droits fonciers aborigènes dans l'Outback australien dans "Beds Are Burning". La puissante mélodie de danse a inondé les ondes et les pistes de danse du monde entier à la fin des années 80, atteignant la 17e place du palmarès Billboard Hot 100.

"Comment peut-on danser quand la Terre tourne ?" il chante dans le chœur entraînant. "Comment fait-on pour dormir pendant que les lits brûlent ?"

Garrett avait clairement un lien personnel avec le message ardent de la chanson : il a ensuite consacré sa vie à l'activisme environnemental en tant que dirigeant de l'Australian Conservation Foundation et est devenu membre élu de la Chambre des représentants d'Australie.

Un succès de musique house sur une femme sans domicile, "Gypsy Woman (She's Homeless)" a aidé la chanteuse du New Jersey Crystal Waters à connaître un succès international malgré un sujet quelque peu sombre. Une parodie ultérieure de la série de sketchs comiques "In Living Color" a attiré l'attention sur le contraste d'avoir une instrumentation joyeuse et optimiste avec des paroles décourageantes.

"Elle est comme toi et moi/Mais elle est sans-abri, elle est sans-abri", sonne le refrain. "Alors qu'elle se tient là à chanter pour de l'argent / La da dee la dee da…"

Cette collaboration optimiste est entre le groupe de rock REM et la chanteuse de B-52, Kate Pierson. La guitare pop jangly vous donne envie de taper des mains et de taper du pied, mais les paroles vous font vous demander si tout est vraiment aussi brillant et joyeux.

On dit que la chanson parle du massacre de la place Tiananmen en Chine, car l'expression « Shiny Happy People » est apparue sur des affiches de propagande. Pierson n'en est pas si sûr, cependant.

"Je ne peux pas imaginer que REM pensait à l'époque, Oh, nous voulons que cette chanson parle de la propagande du gouvernement chinois", a-t-elle déclaré dans une interview de 2021 avec Vulture. "C'était censé être brillant et joyeux. C'était une chose positive à tous points de vue."

"Waterfalls" a été un succès mondial pour TLC en 1994, grâce à son refrain et sa ligne de basse funky. Le rebond insistant de la chanson adoucit un avertissement lyrique ferme qui éloigne les gens du bord : "N'allez pas courir après les chutes d'eau/Veuillez vous en tenir aux rivières et aux lacs auxquels vous êtes habitué/Je sais que vous allez vous en sortir ou rien du tout/Mais je pense que vous allez trop vite."

"Nous voulions faire une chanson avec un message fort – sur les relations sexuelles non protégées, la promiscuité et le fait de traîner dans la mauvaise foule", a partagé Rozonda "Chilli" Thomas avec The Guardian en 2018. "Les messages dans" Waterfalls "ont frappé à la maison. Je pense que c'est pourquoi c'est notre plus grand succès à ce jour. "

André 3000 chante les relations sans amour sur un rythme de danse fantaisiste et décalé dans le temps sur ce hit du Billboard Hot 100. Le sérieux de la chanson - dont André 3000 a un jour expliqué qu'il s'agissait de "l'état des relations dans les années 2000" - s'est perdu parmi de nombreux auditeurs.*

Ses paroles malheureuses étaient masquées par le chant énergique d'André, ainsi que par le groove entraînant de la guitare et du clavier, qui double contagieusement de vitesse à la fin de tous les quatre temps. Même Outkast eux-mêmes n'ont pu s'empêcher de reconnaître la juxtaposition de la chanson dans un tweet de 2021.

Un avant-dernier exemple d'un banger triste est "Dancing On My Own" de la pop star suédoise Robyn. La chanson triste – un top 10 des succès dans plusieurs pays – vous ordonne de secouer vos affaires, tout en vous imaginant en train de regarder votre ex passer au club. La couverture de Calum Scott en 2016 fait vraiment ressortir la tristesse qui peut être obscurcie par la version uptempo de Robyn.

"J'ai dit, je suis dans le coin, je te regarde l'embrasser, oh non/Et je suis juste là, pourquoi tu ne peux pas me voir ?" Robyn chante dans le chœur. "Et je donne tout ce que je peux / Mais je ne suis pas la fille que tu ramènes à la maison."

amusant. (le trio de Jack Antonoff, Andrew Dost et Nate Ruess) est surtout connu pour la ballade pop-rock "We Are Young", qui parle de l'enthousiasme sans relâche positif des jeunes en ville. La chanson titre de leur album de 2012 Some Nights (qui contient "We Are Young") est une chanson beaucoup plus dansante, mais plus triste.

"Quelles sont les valeurs que je défends?" demande Ruess alors que vos pieds se déplacent au rythme du rythme. "La plupart des nuits, je ne sais plus."

Avicii a collaboré avec la chanteuse pop soul Aloe Blacc pour ce top mondial qui est considéré comme l'un des meilleurs hymnes d'EDM. Le rythme claquant masque les paroles tristes et auto-réfléchissantes du morceau sur le fait d'être perdu.

La mort par suicide du DJ/producteur suédois en 2018 ajoute un air encore plus lourd au refrain passionné de Blacc : "Alors réveille-moi quand tout sera fini/Quand je serai plus sage et que je serai plus vieux/Tout ce temps, je me trouvais, et je/je ne savais pas que j'étais perdu."

"Never Be Like You" n'est pas la coupe la plus rapide de la discographie riche en basses du DJ/producteur australien Flume, mais le morceau vaporeux a toujours une bosse irrésistible. La chanteuse canadienne Kai supplie son amant de ne pas la quitter (« Comment puis-je te donner envie de rester ? »), mais son ton charmant parvient toujours à garder la chanson pleine d'espoir.

La sélection la plus manifeste de toute cette liste est peut-être "Tears In The Club", qui trouve des brindilles FKA et The Weeknd se rendant sur la piste de danse pour se débarrasser des vestiges d'une mauvaise relation. Le chanteur / danseur a été franc sur le fait d'être dans une relation abusive, et la chanson est un bop discret soutenu par des chants désespérés tels que "Je pourrais mourir sur le rythme, mon amour".

Près de 30 ans après que le DJ/producteur Todd Terry ait aidé à présenter Everything But the Girl à la communauté internationale de la musique dance avec un remix de "Missing", le duo s'est penché sur son côté électronique sur "Nothing Left to Lose". Un single de leur premier album en 24 ans, Fuse, "Nothing Left to Lose" présente une ligne de basse électronique étouffante qui contraste avec le désir impuissant de la chanson.

"J'ai besoin d'une peau plus épaisse/Cette douleur continue de me pénétrer/Dis-moi quoi faire/Parce que je t'ai toujours écouté", chante Tracy Thorne du couple dans le couplet d'ouverture. Plus tard, elle fait une demande qui résume bien les conflits d'un banger triste par excellence : "Embrasse-moi pendant que le monde se décompose."

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Photos (de gauche à droite) : GAB Archive/Redferns, Ron Galella/Ron Galella Collection via Getty Images, Kevin Winter/Getty Images, Chung Sung-Jun/Getty Images

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Des Supremes aux Spice Girls, plongez dans l'histoire des groupes de filles et découvrez comment leurs chansons, leurs performances et leur puissance vocale ont changé la culture pop.

Depuis plus de huit décennies, les groupes de filles se sont harmonisés dans la conscience collective, mettant l'autonomisation des femmes au premier plan - et changeant la culture en cours de route.

Bien sûr, les groupes de filles ont pris de nombreuses formes : il y a les Andrew Sisters, un groupe familial, Labelle, imprégné de funk rock, et les Destiny's Child, à tendance R&B. Au fur et à mesure que la construction du groupe de filles a évolué, son impact culturel a également évolué – tandis que des actes comme les Supremes ont contribué à pousser la musique populaire dans une direction plus diversifiée en Amérique, les groupes de J-Pop et de K-Pop ont aidé les groupes de filles à être vus à travers une lentille mondiale ces dernières années.

Ce qui a lié tous ces groupes, ce sont leurs dossiers contagieux et inspirants, qui ont encouragé les femmes à s'exprimer et à se sentir responsabilisées en le faisant. Des groupes comme les Spice Girls et les Shangri-Las, par exemple, ont aidé les femmes à exprimer tous les aspects d'elles-mêmes, rappelant au monde qu'il y a de la joie et de la beauté en contraste.

Alors que le Mois de l'histoire des femmes touche à sa fin, GRAMMY.com célèbre toutes les femmes puissantes qui ont fait partie de l'évolution du groupe de filles. (Pour réduire le champ, nous caractérisons un groupe de filles comme des actes avec un minimum de trois membres et un accent sur la performance vocale; d'où la raison pour laquelle vous ne verrez pas de groupes comme les Go-Gos ou les Chicks sur cette liste.)

Ci-dessous, découvrez comment les groupes de filles ont changé à la fois dans leur construction et leur impact depuis près de 90 ans – et ce n'est pas fini – et écoutez la liste de lecture officielle des groupes de filles de GRAMMY.com sur Amazon Music, Spotify, Apple Music et Pandora.

Bien que les femmes aient sans aucun doute chanté ensemble depuis la nuit des temps, le concept formel du groupe de filles est apparu dans les années 20 ou 30, avec la montée en popularité d'actes familiaux étroitement harmonisés comme les Boswell Sisters et les Hamilton Sisters (dont ces dernières deviendraient Three X Sisters). Les groupes ont vraiment commencé à voir leur popularité augmenter au début de la Seconde Guerre mondiale - peut-être parce que l'entrée de plus de femmes dans la population active a ouvert l'esprit des gens à l'idée du groupe de filles pop, ou peut-être parce que les soldats à l'étranger recherchaient du confort et une légère excitation via les sons doux et les regards attrayants des groupes.

Les Andrews Sisters, qui se sont officiellement formées en 1937 en tant qu'hommage aux Boswell Sisters, deviendraient les groupes sœurs les plus populaires, chevauchant des morceaux comme "Boogie Woogie Bugle Boy", "Don't Sit Under The Apple Tree (With Everyone Else But Me)" et "Beer Barrel Polka (Roll Out The Barrel)" directement au sommet des charts. Ils sont considérés comme l'un des groupes de filles les plus réussis de tous les temps, vendant environ 80 millions de disques et comptant. D'autres groupes de filles ont suivi l'acte d'Andrews, y compris les Dinning Sisters, qui ont sorti " They Just Chopped Down The Old Apple Tree " en réponse au tube de leurs rivales.

Les Andrews Sisters ont continué à être populaires jusque dans les années 50, inspirant des actes d'harmonie proches similaires comme les Chordettes, qui ont connu le succès avec des morceaux comme "Mr. Sandman" et "Lollipop", et les Lennon Sisters, qui sont devenues un pilier de "The Lawrence Welk Show".

Vers le milieu de la décennie, les groupes de filles ont commencé à tirer un peu plus du mouvement doo-wop, avec des chansons comme les Bobbettes "Mr Lee" aidant à ouvrir la voie à une vague de groupes de filles entièrement noires à venir. Les Chantels – qui s'étaient réunis en chantant dans une chorale – ont rapidement suivi avec "Maybe", qui a solidifié le style du genre avec un mélange de rock, pop, doo-wop qui agirait comme un modèle sonore pour les années à venir.

En 1961, les Shirelle ont connu un succès rapide avec des morceaux comme "Tonight's The Night" et "Will You Still Love Me Tomorrow", qui sont devenus le premier groupe de filles à se classer n ° 1 sur le palmarès Hot 100 de Billboard. Le groupe aurait cinq autres singles à succès tout au long de la décennie et des actes inspirés comme les Marvelettes, dont "Please Mr. Postman" deviendrait le premier single n ° 1 pour Motown Records.

Désireux de saisir ce succès, Motown a investi massivement dans la création de plus de groupes de filles, créant des trios et des quatuors à partir de divers chanteurs qu'ils auraient peut-être déjà envisagés pour un travail en solo ou même passé à signer. Ce genre de moulage axé sur les affaires est ce qui a donné Martha et les Vandellas, les Velvelettes et un petit groupe appelé les Supremes, qui allait devenir le groupe vocal américain le plus titré de tous les temps, selon CNN. Le succès des groupes Motown - dont la majorité étaient tous noirs - était également un signe de l'acceptation croissante par la culture américaine de l'intégration de la musique populaire.

Ayant vu le succès de Motown dans la création consciente de ses groupes de filles, d'autres producteurs et petits labels indépendants ont cherché à capturer une partie de cet éclair dans une bouteille pour eux-mêmes. Le label Philles a profité du son des Crystals et des Ronettes, tandis que Jerry Lieber et Mike Stoller ont signé les Shangri-Las et les Dixie Cups sur leur label Red Bird. Des morceaux comme "Give Him A Great Big Kiss" des Shangri-Las offraient une perspective étonnamment réelle sur les béguins des adolescentes, tandis que "Leader Of The Pack" a contribué à apporter une perspective féminine à un sous-genre de chansons sur les tragédies macabres d'adolescents auparavant dominées par des actes entièrement masculins comme Jan And Dean et Wayne Cochran And The CC Riders.

Formé pour la première fois dans les années 60 sous le nom de Patti LaBelle and the Bluebelles, Labelle a poussé le genre hors du sock hop et dans la boîte de nuit, devenant l'un des premiers groupes de filles des années 70. Leurs singles funky et rock ne ressemblaient à rien de ce que les aficionados des groupes de filles avaient entendu auparavant, et en 1974, le groupe a conquis le cœur de l'Amérique avec "Lady Marmalade", une chanson légèrement suggestive qui a éclaté des discothèques et dans la conscience collective. D'autres groupes formés à l'origine dans les années 60 ont connu un succès similaire, comme les Three Degrees, qui ont eu un certain nombre de succès, dont l'ensoleillé et apaisant "When Will I See You Again".

Sister Sledge a également capitalisé sur le boom du disco, créant des succès durables comme "We Are Family" et "He's The Greatest Dancer". Les Pointer Sisters ont traversé un arc-en-ciel de genres, y compris le R&B (le funky "Yes We Can Can" de 1973) et le country ("Fairytale" de 1974, qui a remporté un GRAMMY pour la meilleure performance country par un duo ou un groupe avec voix en 1975), avant de connaître leur plus grand succès au début de la décennie suivante avec des morceaux comme le sensuel "Slow Hand" et le plus frénétique "I'm So Excited".

Les groupes de filles ont connu une certaine accalmie dans les années 80, alors que la culture s'orientait vers le hair metal et le hip-hop. Certains groupes ont quand même réussi à percer, capturant le cœur des auditeurs avec des coupes adaptées à la danse imprégnées de flair de style libre latin. Plein de synthés et de percussions syncopées, le freestyle a fait irruption dans les clubs et les fêtes de New York et de Philadelphie, trouvant une emprise particulière auprès du public hispanique et italo-américain.

Exposé de Miami a été l'un des plus grands groupes de freestyle de la décennie, mélangeant des harmonies de groupes de filles avec des sons synthétiques pour des tubes comme "Point Of No Return" et "Seasons Change". Deux groupes new-yorkais, Sweet Sensation et The Cover Girls, ont connu un succès freestyle qui a fait le pont entre les années 80 et 90. "Never Let You Go" de Sweet Sensation a déchiré les charts de danse, et même si "Show Me" et "Because Of You" des Cover Girls n'étaient pas aussi populaires, ils occupent toujours une place spéciale dans le cœur des fans de freestyle.

Les groupes de filles sont revenus en force dans les années 90, en partie grâce à l'urgence du nouveau jack swing et à un regain d'intérêt pour les styles vocaux fluides du R&B. En Vogue a été l'un des premiers groupes à devenir grand dans les années 90, avec le premier single "Hold On" qui a fait son entrée dans les charts Billboard en 1990. Leurs plus grands morceaux sont venus plus tard dans la décennie, avec le puissant "Free Your Mind" et "Giving Him Something He Can Feel" mettant en valeur la gamme vocale et le caractère du quatuor.

Deux groupes d'Atlanta se sont également fait connaître à peu près au même moment qu'En Vogue. Le premier fut le quatuor Xscape, qui s'est inspiré des sons de 1993 avec des morceaux comme "Just Kickin' It".

TLC a eu un arc plus dynamique, faisant d'abord irruption dans la conscience collective avec le nouveau "Oooooooohh… On The TLC Tip" infusé de jack swing, qui comprenait trois des 10 meilleurs singles, dont "Ain't 2 Proud 2 Beg". Les pantalons baggy et l'esthétique hip-hop du groupe ont repoussé les limites du groupe de filles, en partie parce que ses membres ont en fait reconnu leurs désirs sexuels, ainsi que la nécessité pour tout le monde d'avoir des relations sexuelles protégées. Plus tard dans la décennie, TLC atteindrait des sommets encore plus élevés avec des morceaux comme "Waterfalls" et "No Scrubs", lauréat d'un GRAMMY, ce dernier ayant en fait été co-écrit par deux membres de Xscape.

Destiny's Child a d'abord émergé de Houston à la fin des années 90 en tant que quatuor, bien qu'ils aient ensuite perdu certains membres et en aient gagné de nouveaux, pour finir en trio. Bien qu'il soit difficile d'ignorer le pouvoir de star de Beyonce, le trio fonctionnait généralement comme un groupe, produisant une série de vers d'oreille dansants, dont "No, No, No" et "Bills, Bills, Bills". Au moment de leur dissolution en 2006, Destiny's Child a vendu des dizaines de millions de disques et a remporté trois GRAMMY Awards (et un total de neuf nominations).

Dans l'ouest, Chyna Phillips, Wendy Wilson et Carnie Wilson de Wilson Phillips diffusaient les sons de leurs parents respectifs, qui avaient été membres des Beach Boys et des Mamas & The Papas. Leurs chansons comportaient des harmonies vocales et étaient en grande partie sur le désir émotionnel, repoussant la danse et le funk qui régnaient sur une grande partie du cadran radio tout au long des années 90.

Les groupes de filles ont également gagné en popularité au Royaume-Uni dans les années 90, stimulés par un boom des groupes de garçons dans le pays à la même époque. Deux groupes – All Saints et les Spice Girls – ont en fait été assemblés par des managers, ce qui n'a pas aidé à apaiser les inquiétudes des opposants au fait qu'une grande partie de la musique pop à l'époque était entièrement fabriquée. (Un autre pilier britannique, l'irlandais B * Witched, s'est formé de manière organique.)

Quoi qu'il en soit, All Saints et les Spice Girls ont connu un succès commercial, ces dernières devenant absolument massives non seulement à cause des ébats pop accrocheurs comme "Wannabe", mais à cause des personnages singuliers du quintette et de la force de leur message "girl power". Les Spice Girls ont même joué dans leur propre film, "Spice World", qui est sorti au plus fort de Spice-mania en 1997 et a établi des comparaisons instantanées avec "A Hard Day's Night" des Beatles.

Les groupes de filles continuent de régner au début des années 2000. Un certain nombre de groupes de filles des années 2000 se sont formés à la télévision dans le cadre d'émissions de télé-réalité, avec la sensation britannique Girls Aloud se formant dans l'émission ITV "Popstars: The Rivals" et Danity Kane formant et se développant sur trois saisons de "Making The Band" de Sean Puffy Combs. La télévision a agi comme une excellente rampe de lancement pour ces groupes pop, car les fans étaient souvent émotionnellement investis dans le succès du groupe en regardant l'émission. Ainsi, lorsqu'un nouveau single est sorti, ils n'ont pas tardé à monter à bord.

Girls Aloud et Danity Kane – ainsi que leurs pairs, comme Dream, 3LW et Blacque – ont fait de la musique pop sexy, confiante et plus grande que nature, avec des vidéoclips coûteux à assortir. Les chansons sont aussi souvent passées de la pop à la radio urbaine.

Un autre des groupes de filles les plus réussis (et les plus sexy) des années 2000 s'est également formé de manière assez détournée. Les Pussycat Dolls ont connu le succès avec des morceaux comme "Don't Cha" et "Buttons", mais l'origine réelle du nom et de la marque Pussycat Dolls remonte à près de 15 ans lorsqu'un chorégraphe basé à Los Angeles nommé Robin Antin a lancé une troupe burlesque. Après que ses événements de club et ses danseurs soient devenus de plus en plus populaires (posant même pour Playboy), elle a été invitée par Jimmy Iovine d'Interscope Records à attacher le nom à un groupe pop.

Antin a recruté cinq chanteurs capables de tenir une mélodie et de jouer le rôle, dont Nicole Scherzinger – qui a d'abord fait ses débuts dans Eden's Crush, un autre groupe formé dans une émission télévisée, l'itération américaine de "Popstars" – et les Pussycat Dolls se sont rapidement pavanés sur les cadrans radio et les palmarès Billboard avec leurs succès multipistes accrocheurs (et souvent risqués).

Les groupes de filles devenaient également énormes dans le monde entier dans les années 2000, avec l'espagnol Las Ketchup produisant la chanson pop incroyablement accrocheuse nommée "The Ketchup Song", le suédois Play a connu un succès commercial sur le marché américain et le britannique Atomic Kitten s'est formé uniquement comme un véhicule d'écriture pour Orchestral Maneuvers In the Dark's Andy McCluskey et Stuart Kershaw. Les membres de ce dernier allaient et venaient tout au long de sa carrière, mais des chansons comme "Whole Again" (qui a également été enregistrée par Play) ont résisté à l'épreuve du temps.

Bien que la culture K-pop moderne ait commencé en Corée du Sud à la fin des années 90, elle a commencé à vraiment prendre de l'ampleur dans les années 2000, avec des groupes de garçons et de filles bénéficiant de la déferlante Hallyu ou vague coréenne. L'une d'entre elles, Wonder Girls, a connu un succès rapide à la fin des années 2000 avec des morceaux couvrant tous les genres comme "Tell Me" et "Nobody", en partie grâce à la capacité du groupe pop à interpréter des versions anglaises de leurs chansons lors d'une tournée avec les Jonas Brothers.

Deux des plus grands groupes de filles des années 2010 sont également issus d'émissions télévisées de concours de téléréalité. Little Mix, un quatuor, a été formé sur "The X Factor" au Royaume-Uni et est venu redéfinir l'ère des groupes de filles en Grande-Bretagne, vendant plus de 60 millions de disques et en tête des charts avec des singles à indice d'octane élevé comme "Cannonball" et "Shout Out To My Ex".

Aux États-Unis, Fifth Harmony est né sur "The X Factor", où les cinq membres avaient concouru individuellement la saison précédente mais n'avaient pas réussi à progresser. Mais après que les producteurs les aient ramenés pour concourir en tant que groupe, Fifth Harmony est né, les téléspectateurs choisissant le nom et les aidant finalement à prendre la troisième place de la compétition.

Le quintette est sorti de l'émission signée pour juger le label de Simon Cowell, Syco, et comme tant de grands groupes de filles avant lui, s'est lancé dans une tournée des centres commerciaux et des talk-shows avant de finalement sortir un disque pop teinté à la fois de hip-hop et de R&B. Les fans se sont accrochés à des chansons comme "I'm In Love With A Monster" et "Work From Home", le hit monstre aux pièges qui a récolté des milliards de hits sur YouTube depuis sa sortie.

La vague K-pop s'est également poursuivie dans les années 2010, avec des groupes comme Girls Generation et Twice, qui ont tous deux brisé le moule d'un groupe de filles traditionnel en ayant respectivement huit et neuf membres. Dans le même temps, un numéro de J-Pop, AKB48, est devenu populaire, avec une structure que les groupes de filles n'avaient jamais vue auparavant - il compte 80 membres au total, le groupe étant divisé en différentes "équipes" dans lesquelles les membres sont élus par des fans enragés. Les trois actes étaient littéralement et figurativement massifs, vendant des dizaines de millions de disques pop bubblegum hautement produits et des singles de danse plus grands que nature.

Le succès des groupes de filles K-pop a atteint un nouveau niveau lorsque BLACKPINK est entré en scène en 2016, se formant après que ses membres ont rejoint une académie de groupe de filles et ont subi ce qui équivaut à un camp d'entraînement de groupe de filles. Le résultat est une machine musicale affinée qui a produit des succès pop après succès pop - y compris "Boombayah" et "DDU DU DDU DU" - ainsi que des clips vidéo qui ont été visionnés des milliards de fois en ligne.

Stimulé par la dévotion de leurs fans (connus sous le nom de BLINKs), BLACKPINK a également réussi à accumuler une liste impressionnante de distinctions. Ils ont été le premier groupe asiatique à faire la une de Coachella, les premières artistes féminines de K-Pop sur la couverture de Billboard, et ont amassé le plus d'abonnés de tous les groupes musicaux sur YouTube. Mais ce n'est pas le seul groupe féminin de K-Pop à aider les groupes de filles à rester en vie : des groupes comme Mamamoo et Red Velvet ont sorti hit après hit dans les années 2010, et 2NE1 a conquis les cœurs partout avec des morceaux comme "Lonely" et "I Am The Best". En 2012, 2NE1 a entrepris ce que beaucoup considèrent comme la première tournée mondiale d'un groupe de filles K-pop, visitant 11 villes dans sept pays.

Un groupe de filles britanniques dont les membres tirent de leurs cultures individuelles pour créer un son unique influencé par le hip-hop, Flo a également été influencé par des artistes comme Ciara et Amy Winehouse. Bien qu'ils ne soient ensemble que depuis quelques années, leur son rétro unique est devenu presque instantanément populaire au Royaume-Uni, avec le premier single "Cardboard Box" accumulant près d'un million de vues sur YouTube quelques jours après sa sortie au début de 2022. D'autres singles à succès, comme "Immature" et "Summertime" ont suivi.

Un autre groupe de filles résolument moderne, Boys World, a été formé après que les managers ont trouvé des vidéos de cinq femmes différentes chantant en ligne, puis les ont contactées pour voir si elles voulaient faire équipe. Ils ont dit oui, ont lancé un compte TikTok et ont emménagé ensemble dans une maison à Los Angeles. Leur approche entièrement en ligne pour devenir un groupe de filles a captivé le public, ainsi que leurs hymnes stimulants.

La vague K-Pop a également continué à déferler, avec BLACKPINK en tête d'affiche Coachella en 2023 et les NewJeans en plein essor qui ont mérité la distinction d'être la toute première femme coréenne à jouer Lollapalooza plus tard cet été. Comme tant de groupes de filles avant eux, les deux actes continuent de briser les frontières et d'avoir un impact sur la culture dans son ensemble, prouvant que le genre est plus vital que jamais.

Bien qu'ils ne soient peut-être pas aussi abondants qu'au cours des décennies passées, le mouvement des groupes de filles n'a certainement pas fermé ses portes. Et avec un large éventail de femmes qui captivent toujours le public du monde entier, les groupes de filles continueront probablement de pimenter votre vie pour les années à venir.

Écoutez la liste de lecture du Mois de l'histoire des femmes 2023 de GRAMMY.com : Nagez dans le féminin divin avec ces 40 chansons de Rihanna, SZA, Miley Cyrus, BLACKPINK et plus

Tabou doux

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Dans le dernier épisode de ReImagined At Home, regardez le groupe de filles Latinx Sweet Taboo ajouter sa propre saveur au classique R&B "No Scrubs" de TLC, lauréat d'un GRAMMY 1999

Vous cherchez les ingrédients pour le groupe de filles parfait en 2021 ? Trois Latinas de Los Angeles ont exactement ce dont vous avez besoin.

Composé du rappeur ICP Bre et des chanteurs Jen Torrejon et Sami Ramos, le groupe de filles Latinx Sweet Taboo décrit leur son comme une fusion d'éléments latins, rap et R&B.

Ce mélange unique est pleinement exposé dans le dernier épisode de ReImagined At Home, alors que Sweet Taboo reprend avec charisme le classique R&B "No Scrubs" de TLC, lauréat d'un GRAMMY en 1999. (La version TLC originale de la chanson a remporté le GRAMMY de la meilleure performance R&B par un duo ou un groupe avec voix lors des 42e GRAMMY Awards, qui ont eu lieu en 2000 ; l'album sur lequel la chanson figurait, FanMail, a remporté le GRAMMY du meilleur album R&B le même soir.)

Bien qu'ils n'aient que deux chansons à leur nom, Sweet Taboo bouillonne vers la célébrité grâce à leurs reprises captivantes et à leurs singles prometteurs comme "Lil Bit" et "Used to It". De DJ Khaled à Kehlani, des noms connus ont déjà remarqué le groupe de Los Angeles, qui travaille actuellement sur son premier EP éponyme.

Si vous avez apprécié la performance de "No Scrubs" de Sweet Taboo, découvrez plus d'épisodes de ReImagined At Home ci-dessous.

Kali Uchis sur ce que signifie être une star latine "crossover" au 21e siècle

Chucky Thompson

Photo : Russel Webster

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Avec un penchant pour le mariage de rythmes robustes et percussifs avec des échantillons de soul classiques, l'oreille et la passion de Chucky Thompson en sont venues à définir le R&B et le hip-hop des années 90 - écoutez 10 de ses morceaux emblématiques ici

Carl E. "Chucky" Thompson voulait à l'origine gérer des artistes, mais sa passion pour les rythmes robustes, les échantillons de soul et la fidélité à ses collaborateurs ont conduit son oreille à changer le visage du R&B et du hip-hop des années 90. Musicien autodidacte, le natif de Washington, DC s'est fait les dents en jouant des percussions pour la légende de la musique go-goChuck Brundu groupe, The Soul Searchers, avant de rejoindreSean "Diddy" Combs' l'équipe de production interne de Bad Boy Entertainment, The Hitmen, suite au succès deMary J. Bligec'estMa viealbum en 1994.

"Certaines choses ne sont que la vie et Dieu", a déclaré Thompson lors d'une récente interview GRAMMY.com, "cette situation est venue du fait que j'étais au bon endroit au bon moment."

La nouvelle de son décès prématuré a secoué l'industrie de la musique, mais le nominé aux GRAMMY nous a laissé une musique intemporelle en tant qu'architecte de la soul hip-hop. Voici 10 tubes et extraits d'albums que le bien-aimé Chucky Thompson a produits pour plusieurs artistes extrêmement talentueux - couvrant tous les genres - qui signifiaient le monde pour lui.

Mary J. Blige avait été couronnée Reine du Hip-Hop Soul après le triple succès de platine de son premier album en 1992, What's the 411? mais était à la recherche de matériel pour son deuxième effort de 1994, My Life.

Frustrée par les démos qui n'attiraient pas immédiatement son attention, ainsi que par ses collaborateurs du premier album augmentant leurs prix, Thompson a pris des touches de sirène rappelant le G-funk de la côte ouest pour l'intro et a ralenti le tempo avec de la musique go-go creuse pour faire dresser les poils sur le cou de Blige. Cela a donné le ton à Blige pour faire son album classique et le plus personnel à ce jour et à Thompson pour se tailler la part du lion de la production de My Life.

Le notoire BIGa fait sans vergogne l'hymne de playa par excellence pour les âges grâce à l'oreille et au contrôle de la console de Thompson à l'hiver 1994. "Big Poppa", avec son son reconnaissableFrères IsleyL'échantillon "Between the Sheets" couplé à une barre en boucle que Biggie a laissée sur le remix "Dolly My Baby" de Super Cat, a convaincu les auditeurs et la radio pop que le maître de cérémonie rond né à Brooklyn pouvait charmer la culotte des dames et transformer ce charisme en plaques de platine.

Huissier est peut-être en train de faire sensation sur le Strip de Vegas en ce moment, mais en 1994, il n'était qu'un adolescent débutant qui essayait toujours de trouver son identité musicale. Thompson a été amené dans le giron par Diddy pour aider à donner un avantage à la future mégastar, alors il a renversé "Tidal Wave" de Ronnie Laws, un échantillon qu'il a reconnu sur le banger classique de Black Moon "Who Got Da Props", pour frotter une partie de cette nouvelle saveur de jack sur Usher.

Cette session "Think of You" est aussi celle où Thompson a rencontré ses auteurs-compositeurs pour la première fois,Foi Evans et Donell Jones: le conduisant à produire le premier album de Faith l'année suivante. Avec une chorégraphie deCCMmembreT-Bozet une apparition de la chanteuse / actrice Taral Hicks dans le clip "Think of You" a calé à la 58e place du Billboard Hot 100 mais reste un favori des fans d'Usher.

Il n'y avait pas de groupe féminin plus réussi (ou doper) que le trio d'Atlanta TLC en 1994. Leur deuxième album, CrazySexyCool, était un hit en tête des charts qui a engendré des succès comme "Creep", "Waterfalls" et "Red Light Special", mais Thompson connaissait aussi le pouvoir de faire de la musique courte mais douce.

Jouant de la guitare, des claviers et de la batterie, Thompson a divisé le groove funk ludique en deux extraits : l'un avec le vamping T-Boz, l'autre avecBusta Rimesdécomposer le titre de l'album et se lamenter sur les qualités essentielles des poussins mouches tout enOeil gauchead-libs sous sa voix débraillée.

Quelques gammes vibrent avant qu'il ne s'installe dans son groove, grâce à la batterie entraînante et au riff de basse surJames Brown est bien échantillonné "The Payback". Le trio féminin de Bad Boy Entertainment, Total, a été rejoint par les 16 mesures suaves et chaudes de The Notorious BIG pour faire leur premier single inclus pour la première fois sur la bande originale de New Jersey Drive en 1995 avant d'atterrir sur le premier projet éponyme du trio.

Thompson a rejoint ses collègues producteurs de Hitmen Diddy, Herb Middleton et Rashad "Tumblin' Dice" Smith pour donner à Total une épaule sonore sur laquelle pleurer pour un amant qu'ils ne semblent pas pouvoir ébranler; devenir sans doute l'un des singles emblématiques de Bad Boy.

Nouvelle édition réunis au complet (les six membres) pour Home Again en 1996. Thompson, ainsi que les cohortes de Hitmen Stevie J. et Diddy, ont creusé dans les caisses, ont trouvé "Your Love" de James Brown et ont donné à l'ancien groupe de garçons R&B un peu de chaleur dans la rue : à tel point que Michael Bivins et Ronnie DeVoe transforment leur charme en crachant quelques bars. La version de l'album satisfait totalement la palette jusqu'à ce que le remix Trackmasters de la chanson fasse monter les enchères, mettant en vedette une pré-superstarMissy "Délit" Elliot.

Thompson n'était vraiment pas prêt à faire cette chanson parce qu'il se dirigeait vers un vol de retour à DC. Une personne loyale qui a toujours mis la musique en premier, il a été convaincu par Diddy suite à un plaidoyer de Faith de dépoussiérer une mélodie au piano qu'il a écrite alors qu'il n'avait que 16 ans. Il l'a habilement niché sous la voix séduisante et haletante de la chanteuse / compositrice lauréate d'un GRAMMY qu'elle avait enregistrée sur son répondeur. Soutenu par quelques pièges claquants, le plaidoyer de Faith à un autre significatif isolé est devenu le deuxième single de son premier projet éponyme de platine en 1995 et l'une de ses ballades les plus reconnaissables.

Nas est largement considéré comme l'un des plus grands animateurs du hip-hop, mais en 2001, Thompson savait qu'Escobar avait besoin d'un hymne pour un rappel lors de ses performances. La hauteur duJAY Z/Nas beef se préparait entre "Takeover" et "Ether", mais le producteur savait prendrePhil Collins' "In the Air Tonight" pour donner à Nas l'espace nécessaire pour montrer à quel point il est emblématique.DMXdevait apparaître comme une fonctionnalité, mais Nas voulait ce moment pour lui tout seul.

Thompson aimait et respectait les femmes noires de taille plus, donc pourRaheem De Vaughn 's 2008 LP Love Behind the Melody, il a convaincu son compatriote natif de DC de faire une chanson qui célèbre strictement les sistas bien roulées. Inspiré des claviers qu'il a entendus sur le duo de JAY-Z et Chrisette Michele produit parDr. Dre, "Lost Ones", Thompson a aidé DeVaughn à se diriger vers une nomination aux GRAMMY pour la meilleure performance vocale R&B masculine pour "Woman".

En 2020,Snoop Dogg voulait montrer son amour à la scène go-go. Le rappeur/artiste s'est associé à des légendes de la musique go-goEssence rare , le groupe préféré de Thompson, pour faire un joint qui pourrait élever ceux qui s'abritent sur place. Les rythmes mêlaient les synthés de la côte ouest aux percussions en lambeaux du métro de DC pour célébrer les grooves insulaires popularisés par des groupes comme EU, Trouble Funk, Junkyard Band et Chuck Brown and the Soul Searchers.

Isaiah Rashad sur son nouvel album "The House Is Burning", sobriété et retour à ses racines du sud