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Jul 21, 2023

Les Grammys

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Photos (de gauche à droite) : GAB Archive/Redferns, Ron Galella/Ron Galella Collection via Getty Images, Kevin Winter/Getty Images, Chung Sung-Jun/Getty Images

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Des Supremes aux Spice Girls, plongez dans l'histoire des groupes de filles et découvrez comment leurs chansons, leurs performances et leur puissance vocale ont changé la culture pop.

Depuis plus de huit décennies, les groupes de filles se sont harmonisés dans la conscience collective, mettant l'autonomisation des femmes au premier plan - et changeant la culture en cours de route.

Bien sûr, les groupes de filles ont pris de nombreuses formes : il y a les Andrew Sisters, un groupe familial, Labelle, imprégné de funk rock, et les Destiny's Child, à tendance R&B. Au fur et à mesure que la construction du groupe de filles a évolué, son impact culturel a également évolué – tandis que des actes comme les Supremes ont contribué à pousser la musique populaire dans une direction plus diversifiée en Amérique, les groupes de J-Pop et de K-Pop ont aidé les groupes de filles à être vus à travers une lentille mondiale ces dernières années.

Ce qui a lié tous ces groupes, ce sont leurs dossiers contagieux et inspirants, qui ont encouragé les femmes à s'exprimer et à se sentir responsabilisées en le faisant. Des groupes comme les Spice Girls et les Shangri-Las, par exemple, ont aidé les femmes à exprimer tous les aspects d'elles-mêmes, rappelant au monde qu'il y a de la joie et de la beauté en contraste.

Alors que le Mois de l'histoire des femmes touche à sa fin, GRAMMY.com célèbre toutes les femmes puissantes qui ont fait partie de l'évolution du groupe de filles. (Pour réduire le champ, nous caractérisons un groupe de filles comme des actes avec un minimum de trois membres et un accent sur la performance vocale; d'où la raison pour laquelle vous ne verrez pas de groupes comme les Go-Gos ou les Chicks sur cette liste.)

Ci-dessous, découvrez comment les groupes de filles ont changé à la fois dans leur construction et leur impact depuis près de 90 ans – et ce n'est pas fini – et écoutez la liste de lecture officielle des groupes de filles de GRAMMY.com sur Amazon Music, Spotify, Apple Music et Pandora.

Bien que les femmes aient sans aucun doute chanté ensemble depuis la nuit des temps, le concept formel du groupe de filles est apparu dans les années 20 ou 30, avec la montée en popularité d'actes familiaux étroitement harmonisés comme les Boswell Sisters et les Hamilton Sisters (dont ces dernières deviendraient Three X Sisters). Les groupes ont vraiment commencé à voir leur popularité augmenter au début de la Seconde Guerre mondiale - peut-être parce que l'entrée de plus de femmes dans la population active a ouvert l'esprit des gens à l'idée du groupe de filles pop, ou peut-être parce que les soldats à l'étranger recherchaient du confort et une légère excitation via les sons doux et les regards attrayants des groupes.

Les Andrews Sisters, qui se sont officiellement formées en 1937 en tant qu'hommage aux Boswell Sisters, deviendraient les groupes sœurs les plus populaires, chevauchant des morceaux comme "Boogie Woogie Bugle Boy", "Don't Sit Under The Apple Tree (With Everyone Else But Me)" et "Beer Barrel Polka (Roll Out The Barrel)" directement au sommet des charts. Ils sont considérés comme l'un des groupes de filles les plus réussis de tous les temps, vendant environ 80 millions de disques et comptant. D'autres groupes de filles ont suivi l'acte d'Andrews, y compris les Dinning Sisters, qui ont sorti " They Just Chopped Down The Old Apple Tree " en réponse au tube de leurs rivales.

Les Andrews Sisters ont continué à être populaires jusque dans les années 50, inspirant des actes d'harmonie proches similaires comme les Chordettes, qui ont connu le succès avec des morceaux comme "Mr. Sandman" et "Lollipop", et les Lennon Sisters, qui sont devenues un pilier de "The Lawrence Welk Show".

Vers le milieu de la décennie, les groupes de filles ont commencé à tirer un peu plus du mouvement doo-wop, avec des chansons comme les Bobbettes "Mr Lee" aidant à ouvrir la voie à une vague de groupes de filles entièrement noires à venir. Les Chantels – qui s'étaient réunis en chantant dans une chorale – ont rapidement suivi avec "Maybe", qui a solidifié le style du genre avec un mélange de rock, pop, doo-wop qui agirait comme un modèle sonore pour les années à venir.

En 1961, les Shirelle ont connu un succès rapide avec des morceaux comme "Tonight's The Night" et "Will You Still Love Me Tomorrow", qui sont devenus le premier groupe de filles à se classer n ° 1 sur le palmarès Hot 100 de Billboard. Le groupe aurait cinq autres singles à succès tout au long de la décennie et des actes inspirés comme les Marvelettes, dont "Please Mr. Postman" deviendrait le premier single n ° 1 pour Motown Records.

Désireux de saisir ce succès, Motown a investi massivement dans la création de plus de groupes de filles, créant des trios et des quatuors à partir de divers chanteurs qu'ils auraient peut-être déjà envisagés pour un travail en solo ou même passé à signer. Ce genre de moulage axé sur les affaires est ce qui a donné Martha et les Vandellas, les Velvelettes et un petit groupe appelé les Supremes, qui allait devenir le groupe vocal américain le plus titré de tous les temps, selon CNN. Le succès des groupes Motown - dont la majorité étaient tous noirs - était également un signe de l'acceptation croissante par la culture américaine de l'intégration de la musique populaire.

Ayant vu le succès de Motown dans la création consciente de ses groupes de filles, d'autres producteurs et petits labels indépendants ont cherché à capturer une partie de cet éclair dans une bouteille pour eux-mêmes. Le label Philles a profité du son des Crystals et des Ronettes, tandis que Jerry Lieber et Mike Stoller ont signé les Shangri-Las et les Dixie Cups sur leur label Red Bird. Des morceaux comme "Give Him A Great Big Kiss" des Shangri-Las offraient une perspective étonnamment réelle sur les béguins des adolescentes, tandis que "Leader Of The Pack" a contribué à apporter une perspective féminine à un sous-genre de chansons sur les tragédies macabres d'adolescents auparavant dominées par des actes entièrement masculins comme Jan And Dean et Wayne Cochran And The CC Riders.

Formé pour la première fois dans les années 60 sous le nom de Patti LaBelle and the Bluebelles, Labelle a poussé le genre hors du sock hop et dans la boîte de nuit, devenant l'un des premiers groupes de filles des années 70. Leurs singles funky et rock ne ressemblaient à rien de ce que les aficionados des groupes de filles avaient entendu auparavant, et en 1974, le groupe a conquis le cœur de l'Amérique avec "Lady Marmalade", une chanson légèrement suggestive qui a éclaté des discothèques et dans la conscience collective. D'autres groupes formés à l'origine dans les années 60 ont connu un succès similaire, comme les Three Degrees, qui ont eu un certain nombre de succès, dont l'ensoleillé et apaisant "When Will I See You Again".

Sister Sledge a également capitalisé sur le boom du disco, créant des succès durables comme "We Are Family" et "He's The Greatest Dancer". Les Pointer Sisters ont traversé un arc-en-ciel de genres, y compris le R&B (le funky "Yes We Can Can" de 1973) et le country ("Fairytale" de 1974, qui a remporté un GRAMMY pour la meilleure performance country par un duo ou un groupe avec voix en 1975), avant de connaître leur plus grand succès au début de la décennie suivante avec des morceaux comme le sensuel "Slow Hand" et le plus frénétique "I'm So Excited".

Les groupes de filles ont connu une certaine accalmie dans les années 80, alors que la culture s'orientait vers le hair metal et le hip-hop. Certains groupes ont quand même réussi à percer, capturant le cœur des auditeurs avec des coupes adaptées à la danse imprégnées de flair de style libre latin. Plein de synthés et de percussions syncopées, le freestyle a fait irruption dans les clubs et les fêtes de New York et de Philadelphie, trouvant une emprise particulière auprès du public hispanique et italo-américain.

Exposé de Miami a été l'un des plus grands groupes de freestyle de la décennie, mélangeant des harmonies de groupes de filles avec des sons synthétiques pour des tubes comme "Point Of No Return" et "Seasons Change". Deux groupes new-yorkais, Sweet Sensation et The Cover Girls, ont connu un succès freestyle qui a fait le pont entre les années 80 et 90. "Never Let You Go" de Sweet Sensation a déchiré les charts de danse, et même si "Show Me" et "Because Of You" des Cover Girls n'étaient pas aussi populaires, ils occupent toujours une place spéciale dans le cœur des fans de freestyle.

Les groupes de filles sont revenus en force dans les années 90, en partie grâce à l'urgence du nouveau jack swing et à un regain d'intérêt pour les styles vocaux fluides du R&B. En Vogue a été l'un des premiers groupes à devenir grand dans les années 90, avec le premier single "Hold On" qui a fait son entrée dans les charts Billboard en 1990. Leurs plus grands morceaux sont venus plus tard dans la décennie, avec le puissant "Free Your Mind" et "Giving Him Something He Can Feel" mettant en valeur la gamme vocale et le caractère du quatuor.

Deux groupes d'Atlanta se sont également fait connaître à peu près au même moment qu'En Vogue. Le premier fut le quatuor Xscape, qui s'est inspiré des sons de 1993 avec des morceaux comme "Just Kickin' It".

TLC a eu un arc plus dynamique, faisant d'abord irruption dans la conscience collective avec le nouveau "Oooooooohh… On The TLC Tip" infusé de jack swing, qui comprenait trois des 10 meilleurs singles, dont "Ain't 2 Proud 2 Beg". Les pantalons baggy et l'esthétique hip-hop du groupe ont repoussé les limites du groupe de filles, en partie parce que ses membres ont en fait reconnu leurs désirs sexuels, ainsi que la nécessité pour tout le monde d'avoir des relations sexuelles protégées. Plus tard dans la décennie, TLC atteindrait des sommets encore plus élevés avec des morceaux comme "Waterfalls" et "No Scrubs", lauréat d'un GRAMMY, ce dernier ayant en fait été co-écrit par deux membres de Xscape.

Destiny's Child a d'abord émergé de Houston à la fin des années 90 en tant que quatuor, bien qu'ils aient ensuite perdu certains membres et en aient gagné de nouveaux, pour finir en trio. Bien qu'il soit difficile d'ignorer le pouvoir de star de Beyonce, le trio fonctionnait généralement comme un groupe, produisant une série de vers d'oreille dansants, dont "No, No, No" et "Bills, Bills, Bills". Au moment de leur dissolution en 2006, Destiny's Child a vendu des dizaines de millions de disques et a remporté trois GRAMMY Awards (et un total de neuf nominations).

Dans l'ouest, Chyna Phillips, Wendy Wilson et Carnie Wilson de Wilson Phillips diffusaient les sons de leurs parents respectifs, qui avaient été membres des Beach Boys et des Mamas & The Papas. Leurs chansons comportaient des harmonies vocales et étaient en grande partie sur le désir émotionnel, repoussant la danse et le funk qui régnaient sur une grande partie du cadran radio tout au long des années 90.

Les groupes de filles ont également gagné en popularité au Royaume-Uni dans les années 90, stimulés par un boom des groupes de garçons dans le pays à la même époque. Deux groupes – All Saints et les Spice Girls – ont en fait été assemblés par des managers, ce qui n'a pas aidé à apaiser les inquiétudes des opposants au fait qu'une grande partie de la musique pop à l'époque était entièrement fabriquée. (Un autre pilier britannique, l'irlandais B * Witched, s'est formé de manière organique.)

Quoi qu'il en soit, All Saints et les Spice Girls ont connu un succès commercial, ces dernières devenant absolument massives non seulement à cause des ébats pop accrocheurs comme "Wannabe", mais à cause des personnages singuliers du quintette et de la force de leur message "girl power". Les Spice Girls ont même joué dans leur propre film, "Spice World", qui est sorti au plus fort de Spice-mania en 1997 et a établi des comparaisons instantanées avec "A Hard Day's Night" des Beatles.

Les groupes de filles continuent de régner au début des années 2000. Un certain nombre de groupes de filles des années 2000 se sont formés à la télévision dans le cadre d'émissions de télé-réalité, avec la sensation britannique Girls Aloud se formant dans l'émission ITV "Popstars: The Rivals" et Danity Kane formant et se développant sur trois saisons de "Making The Band" de Sean Puffy Combs. La télévision a agi comme une excellente rampe de lancement pour ces groupes pop, car les fans étaient souvent émotionnellement investis dans le succès du groupe en regardant l'émission. Ainsi, lorsqu'un nouveau single est sorti, ils n'ont pas tardé à monter à bord.

Girls Aloud et Danity Kane – ainsi que leurs pairs, comme Dream, 3LW et Blacque – ont fait de la musique pop sexy, confiante et plus grande que nature, avec des vidéoclips coûteux à assortir. Les chansons sont aussi souvent passées de la pop à la radio urbaine.

Un autre des groupes de filles les plus réussis (et les plus sexy) des années 2000 s'est également formé de manière assez détournée. Les Pussycat Dolls ont connu le succès avec des morceaux comme "Don't Cha" et "Buttons", mais l'origine réelle du nom et de la marque Pussycat Dolls remonte à près de 15 ans lorsqu'un chorégraphe basé à Los Angeles nommé Robin Antin a lancé une troupe burlesque. Après que ses événements de club et ses danseurs soient devenus de plus en plus populaires (posant même pour Playboy), elle a été invitée par Jimmy Iovine d'Interscope Records à attacher le nom à un groupe pop.

Antin a recruté cinq chanteurs capables de tenir une mélodie et de jouer le rôle, dont Nicole Scherzinger – qui a d'abord fait ses débuts dans Eden's Crush, un autre groupe formé dans une émission télévisée, l'itération américaine de "Popstars" – et les Pussycat Dolls se sont rapidement pavanés sur les cadrans radio et les palmarès Billboard avec leurs succès multipistes accrocheurs (et souvent risqués).

Les groupes de filles devenaient également énormes dans le monde entier dans les années 2000, avec l'espagnol Las Ketchup produisant la chanson pop incroyablement accrocheuse nommée "The Ketchup Song", le suédois Play a connu un succès commercial sur le marché américain et le britannique Atomic Kitten s'est formé uniquement comme un véhicule d'écriture pour Orchestral Maneuvers In the Dark's Andy McCluskey et Stuart Kershaw. Les membres de ce dernier allaient et venaient tout au long de sa carrière, mais des chansons comme "Whole Again" (qui a également été enregistrée par Play) ont résisté à l'épreuve du temps.

Bien que la culture K-pop moderne ait commencé en Corée du Sud à la fin des années 90, elle a commencé à vraiment prendre de l'ampleur dans les années 2000, avec des groupes de garçons et de filles bénéficiant de la déferlante Hallyu ou vague coréenne. L'une d'entre elles, Wonder Girls, a connu un succès rapide à la fin des années 2000 avec des morceaux couvrant tous les genres comme "Tell Me" et "Nobody", en partie grâce à la capacité du groupe pop à interpréter des versions anglaises de leurs chansons lors d'une tournée avec les Jonas Brothers.

Deux des plus grands groupes de filles des années 2010 sont également issus d'émissions télévisées de concours de téléréalité. Little Mix, un quatuor, a été formé sur "The X Factor" au Royaume-Uni et est venu redéfinir l'ère des groupes de filles en Grande-Bretagne, vendant plus de 60 millions de disques et en tête des charts avec des singles à indice d'octane élevé comme "Cannonball" et "Shout Out To My Ex".

Aux États-Unis, Fifth Harmony est né sur "The X Factor", où les cinq membres avaient concouru individuellement la saison précédente mais n'avaient pas réussi à progresser. Mais après que les producteurs les aient ramenés pour concourir en tant que groupe, Fifth Harmony est né, les téléspectateurs choisissant le nom et les aidant finalement à prendre la troisième place de la compétition.

Le quintette est sorti de l'émission signée pour juger le label de Simon Cowell, Syco, et comme tant de grands groupes de filles avant lui, s'est lancé dans une tournée des centres commerciaux et des talk-shows avant de finalement sortir un disque pop teinté à la fois de hip-hop et de R&B. Les fans se sont accrochés à des chansons comme "I'm In Love With A Monster" et "Work From Home", le hit monstre aux pièges qui a récolté des milliards de hits sur YouTube depuis sa sortie.

La vague K-pop s'est également poursuivie dans les années 2010, avec des groupes comme Girls Generation et Twice, qui ont tous deux brisé le moule d'un groupe de filles traditionnel en ayant respectivement huit et neuf membres. Dans le même temps, un numéro de J-Pop, AKB48, est devenu populaire, avec une structure que les groupes de filles n'avaient jamais vue auparavant - il compte 80 membres au total, le groupe étant divisé en différentes "équipes" dans lesquelles les membres sont élus par des fans enragés. Les trois actes étaient littéralement et figurativement massifs, vendant des dizaines de millions de disques pop bubblegum hautement produits et des singles de danse plus grands que nature.

Le succès des groupes de filles K-pop a atteint un nouveau niveau lorsque BLACKPINK est entré en scène en 2016, se formant après que ses membres ont rejoint une académie de groupe de filles et ont subi ce qui équivaut à un camp d'entraînement de groupe de filles. Le résultat est une machine musicale affinée qui a produit des succès pop après succès pop - y compris "Boombayah" et "DDU DU DDU DU" - ainsi que des clips vidéo qui ont été visionnés des milliards de fois en ligne.

Stimulé par la dévotion de leurs fans (connus sous le nom de BLINKs), BLACKPINK a également réussi à accumuler une liste impressionnante de distinctions. Ils ont été le premier groupe asiatique à faire la une de Coachella, les premières artistes féminines de K-Pop sur la couverture de Billboard, et ont amassé le plus d'abonnés de tous les groupes musicaux sur YouTube. Mais ce n'est pas le seul groupe féminin de K-Pop à aider les groupes de filles à rester en vie : des groupes comme Mamamoo et Red Velvet ont sorti hit après hit dans les années 2010, et 2NE1 a conquis les cœurs partout avec des morceaux comme "Lonely" et "I Am The Best". En 2012, 2NE1 a entrepris ce que beaucoup considèrent comme la première tournée mondiale d'un groupe de filles K-pop, visitant 11 villes dans sept pays.

Un groupe de filles britanniques dont les membres tirent de leurs cultures individuelles pour créer un son unique influencé par le hip-hop, Flo a également été influencé par des artistes comme Ciara et Amy Winehouse. Bien qu'ils ne soient ensemble que depuis quelques années, leur son rétro unique est devenu presque instantanément populaire au Royaume-Uni, avec le premier single "Cardboard Box" accumulant près d'un million de vues sur YouTube quelques jours après sa sortie au début de 2022. D'autres singles à succès, comme "Immature" et "Summertime" ont suivi.

Un autre groupe de filles résolument moderne, Boys World, a été formé après que les managers ont trouvé des vidéos de cinq femmes différentes chantant en ligne, puis les ont contactées pour voir si elles voulaient faire équipe. Ils ont dit oui, ont lancé un compte TikTok et ont emménagé ensemble dans une maison à Los Angeles. Leur approche entièrement en ligne pour devenir un groupe de filles a captivé le public, ainsi que leurs hymnes stimulants.

La vague K-Pop a également continué à déferler, avec BLACKPINK en tête d'affiche Coachella en 2023 et les NewJeans en plein essor qui ont mérité la distinction d'être la toute première femme coréenne à jouer Lollapalooza plus tard cet été. Comme tant de groupes de filles avant eux, les deux actes continuent de briser les frontières et d'avoir un impact sur la culture dans son ensemble, prouvant que le genre est plus vital que jamais.

Bien qu'ils ne soient peut-être pas aussi abondants qu'au cours des décennies passées, le mouvement des groupes de filles n'a certainement pas fermé ses portes. Et avec un large éventail de femmes qui captivent toujours le public du monde entier, les groupes de filles continueront probablement de pimenter votre vie pour les années à venir.

Écoutez la liste de lecture du Mois de l'histoire des femmes 2023 de GRAMMY.com : Nagez dans le féminin divin avec ces 40 chansons de Rihanna, SZA, Miley Cyrus, BLACKPINK et plus

Photo : Ron Galella/Collection Ron Galella via Getty Images

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Le dernier documentaire d'A&E/Lifetime, "TLC Forever", présente des images inédites et des histoires inédites sur l'héritage emblématique du groupe, de leurs tribulations à leurs triomphes.

Lorsque Tionne "T-Boz" Watkins, Lisa "Left-Eye" Lopes et Rozanda "Chilli" Thomas ont uni leurs forces en tant que TLC, le paysage des groupes de filles a changé à jamais.

Au cours de leur course exaltante, TLC a battu des records, établi de nouvelles tendances de style et mis en lumière des questions importantes telles que le VIH / SIDA et l'image corporelle. Leur son unique et leur volonté de prendre des risques ont contribué à consolider leur statut de l'un des groupes féminins les plus vendus de tous les temps. Et maintenant, leur héritage est immortalisé sur film.

TLC Forever, un nouveau documentaire présenté en première sur A&E/Lifetime le 3 juin, plonge dans les hauts et les bas drastiques des 30 ans de carrière du trio. Parmi leurs nombreuses réalisations incroyables, il y a eu aussi beaucoup de luttes, y compris la faillite, des bagarres qui ont fait la une des journaux et des tragédies. Comme Watkins l'a déclaré en plaisantant aux GRAMMY de 1996, "TLC laissera cette entreprise se souvenir de beaucoup de choses."

Le film de près de 120 minutes suit le trio musical emblématique de leur première rencontre à la mort prématurée de Lopes en 2002, et suit Watkins et Thomas alors qu'ils se préparent à se produire au Festival de Glastonbury 2022. Ce sera particulièrement spécial pour les fans, car le doc voit Watkins et Thomas regarder les images rares avec le manager de longue date Bill Diggins en temps réel.

Que vous connaissiez l'histoire de TLC ou que vous souhaitiez en savoir plus, TLC Forever vaut le détour. Ci-dessous, jetez un œil à cinq points clés du documentaire.

Au printemps 1994 – à peine cinq mois avant la chute du best-seller CrazySexyCool de TLC – Lopes a cherché à se venger de son petit ami de l'époque, l'ancien receveur des Falcons d'Atlanta Andre Rison. Après l'avoir prétendument surpris en train de tricher, Lopes a mis le feu à une paire de ses baskets dans une baignoire de son manoir à deux étages, qui s'est ensuite propagée au reste de la maison.

Accusée d'incendie criminel, placée en probation de cinq ans et condamnée à une amende de 10 000 dollars, la rappeuse alors âgée de 23 ans n'a jamais été en mesure d'ébranler sa réputation "folle" provoquée par l'incident. Cependant, TLC Forever découvre des détails qui donnent à ses actions plus de contexte.

Dans le document, Thomas décrit la relation de Lopes et Rison comme "toxique", avant d'ajouter que "il se passait toujours quelque chose". Des mois après avoir commencé à sortir ensemble, Lopes et Rison se sont disputés dans un parking d'épicerie, où Rison l'aurait agressée et aurait tiré un coup de semonce pour empêcher les passants de s'impliquer.

"Je me sentais tellement mal pour elle, parce que quand je suis entré dans la pièce, je me souviens juste de l'expression de son visage", a déclaré Watkins dans le film, faisant référence à l'incendie de la maison. "Ses ongles étaient cassés, elle était écorchée, contusionnée et saignait, et le monde entier la regardait comme : 'Qu'as-tu fait ?' Et tout le monde n'a pas répondu comme ils auraient dû."

Comme de nombreux fans le savent, Lopes avait protesté contre le premier single "Creep" de CrazySexyCool en raison de ses paroles faisant la promotion de l'infidélité (en particulier au milieu de l'épidémie de sida en cours, qui a fait près de 42 000 morts rien qu'aux États-Unis la même année). De plus, le top du classement allait à l'encontre de ce pour quoi TLC était connu : porter des préservatifs sur des vêtements amples comme moyen de défendre des rapports sexuels protégés.

Bien que la chanson ait en fait été inspirée par les propres problèmes relationnels de Watkins, Lopes craignait que Rison pense qu'elle le trompait, déclenchant peut-être davantage d'abus présumés au sein de leur relation tumultueuse. Ainsi, pour le remix, elle a écrit un couplet avertissant les auditeurs des conséquences du fluage : "Creepin' peut provoquer un comportement hystérique dans l'esprit/ Mettez votre vie dans une impasse et dans le temps/ Faites de vous la victime d'un crime passionné", rappe-t-elle.

Au début de la romance de longue date de Thomas avec le producteur de LaFace Dallas Austin, elle est tombée enceinte avant le premier album du trio, Oooooooohhh... On the TLC Tip, qui a mis en péril son avenir avec le groupe. Ne recevant pas beaucoup de soutien d'Austin et craignant que le manager de l'époque, Perri "Pebbles" Reid, ne le découvre, Thomas a eu un avortement à contrecœur à l'âge de 20 ans, qualifiant cela d '"expérience horrible" dans le documentaire.

"Après cela, j'ai probablement vécu une sorte de dépression. Je ne pouvais pas me pardonner", dit-elle. "J'ai juste ressenti cette énorme culpabilité pour ce que j'avais fait, et cette culpabilité de ne pas avoir été correctement traitée est ce qui m'a fait m'attacher davantage à Dallas."

En 1997, Thomas et Austin ont eu un fils nommé Tron, qui a agi à bien des égards comme une fermeture pour le chanteur. "Une fois que j'ai eu Tron, cela a vraiment mis en perspective la relation que j'avais avec Dallas. Il était clair que ce n'était pas une relation fonctionnelle, saine et aimante", admet-elle. Ils se sont séparés quelques années plus tard, travaillant toujours ensemble de manière créative et coparentalité de leur fils, qui a maintenant 26 ans.

En savoir plus:L'évolution du groupe de filles : comment TLC, BLACKPINK, The Shirelles et d'autres ont élevé l'expression féminine

Bien que CrazySexyCool ait vendu 15 millions d'exemplaires dans le monde, engendrant deux succès n ° 1 sur le Billboard Hot 100 et remportant deux GRAMMY, TLC a déposé le bilan du chapitre 11 en 1995 avant de s'arrêter pendant cinq ans, prolongé par des tensions au sein du groupe. Dans les mois qui ont précédé le troisième effort en studio de TLC, FanMail - dont le titre a été inventé par Lopes et dédié aux fans - Lopes a exprimé son mécontentement à l'égard du projet après qu'une poignée de ses chansons aient été rejetées par Dallas Austin.

"Je ne peux pas supporter à 100% ce projet TLC et la musique qui est censée me représenter", a déclaré Lopes dans une interview de 1999 avec Vibe, qui a alimenté les rumeurs d'une rupture. "Ce sera ma dernière interview jusqu'à ce que je puisse parler librement de la vérité et me présenter sur mon projet solo."

À peu près à la même époque, Lopes a défié Watkins et Thomas d'enregistrer des albums solo et a offert un prix de 1,5 million de dollars au membre qui vendait le plus d'exemplaires. Les raps de Lopes ne peuvent être entendus que sur trois des 17 pistes de FanMail – et bien qu'une grande partie de son absence soit certainement due à un conflit interne, Watkins et Thomas ont confirmé que là où Lopes était créative "ne correspondait tout simplement pas" à ce qu'Austin produisait. Au moment du décès de Lopes, elle participait à une retraite spirituelle de 30 jours au Honduras, dont certaines parties ont été enregistrées et publiées en 2007 dans le documentaire posthume The Last Days of Left Eye.

En 2006, Watkins a combattu en privé un neurinome acoustique, une tumeur cérébrale potentiellement mortelle qui reposait sur ses nerfs faciaux, auditifs et d'équilibre. La femme alors âgée de 36 ans a subi une intervention chirurgicale pour retirer la tumeur, un risque exacerbé par ses complications continues de l'anémie falciforme depuis son enfance.

"[Le médecin] a dit qu'au cas où quelque chose tournerait mal et que je ne puisse sauver ni votre ouïe, ni votre visage, ni votre équilibre, donnez-moi l'ordre de vous sauver vous-même", a-t-elle déclaré dans le doc. "Cette industrie concerne votre visage, votre voix, votre danse - c'est tout mon travail. Alors, ils ont pris mon équilibre, j'ai sauvé ma face pour la plupart, [et] je n'ai perdu que trois pour cent [de mon audition] à l'époque."

Watkins a ajouté qu'elle s'était sentie déprimée et peu attrayante pendant de nombreuses années après l'opération, jusqu'à ce que sa mère change de point de vue. "Je me souviens d'avoir regardé dans le miroir un jour et j'ai commencé à pleurer, et ma mère a dit:" Non ". Elle a dit : "Écoute, c'est juste ton retour à la normale. Ce n'est pas comme ça que tu vas rester, ce n'est pas comme ça que tu vas être. C'est seulement ton retour à la façon dont tu as commencé"", se souvient-elle. "J'ai dit:" Ouais, d'accord, si je regarde les choses de cette façon, alors tout ce que j'ai à faire est de survivre à ça et de m'en sortir et je peux être cool.

Maintenant âgé de 53 ans, Watkins est toujours aussi fort. Cependant, le film donne aux téléspectateurs un aperçu plus approfondi de la quantité de préparation nécessaire pour qu'elle puisse jouer sans compromettre sa santé. Avant et après avoir atteint la scène, Watkins doit recevoir suffisamment de liquides et d'oxygène pour maintenir l'inflammation au minimum.

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Watkins et Thomas discutent de l'immense pression qu'ils ont subie de la part de leur label pour aller de l'avant sans Lopes, décédée tragiquement à 30 ans dans un accident de voiture lors de son voyage au Honduras. "Après le décès de Lisa, la maison de disques a dit qu'ils allaient sortir un [album] des plus grands succès si nous ne terminions pas [3D], alors nous nous sommes sentis un peu obligés de retourner en studio", a déclaré Watkins dans TLC Forever. "On nous a donné un ultimatum." Thomas a ajouté: "Nous avions une vision tunnel, finissons-en."

Bien qu'elle soit devenue platine, la 3D a été considérée comme un échec commercial selon les normes de TLC, se vendant à moins de 700 000 exemplaires et son premier single, "Girl Talk", culminant à la 28e place du Hot 100. Après leur première performance live sans Lopes au concert annuel Zootopia de Z100 en 2003, l'industrie de la musique les a apparemment radiés - mais Thomas a dit qu'elle n'avait jamais senti que c'était vraiment fini. Ce n'est que lors de leur concert VH1 Super Bowl Blitz en 2014 que les promoteurs ont commencé à tendre la main, ce qui a finalement conduit à la plus grande performance de leur carrière extraordinaire : monter sur scène à Glastonbury l'année dernière.

"La plus grande récompense, c'est quand vous n'avez plus la chanson n°1 et que vous pouvez vendre vos tournées", déclare Thomas à la fin du film. "Cela signifie que vous avez un travail formidable qui peut résister à l'épreuve du temps, et le temps nous a dit que nous avons bien fait. Nous avons bien fait."

Revisiter 'The Miseducation Of Lauryn Hill': pourquoi le record de plusieurs GRAMMY est toujours tout 25 ans plus tard

Photo : Rob Verhorst/Redferns

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Tout au long de ses huit victoires aux GRAMMY et de ses 25 nominations, la vaste production musicale de Tina Turner s'est avérée tout aussi divertissante et inspirante. La Bold Soul Sister est décédée le 24 mai à son domicile près de Zurich, en Suisse. Elle avait 83 ans.

La Reine du Rock 'n' Roll, légende de l'enregistrement, icône de l'autonomisation. Peu importe comment on se réfère à Tina Turner, son décès constitue une perte sismique qui marque la fin d'un héritage culturel brillant qui laisse dans son sillage une carrière marquante pour l'industrie. Tout au long de ses huit victoires aux GRAMMY et de ses 25 nominations, la production musicale vaste et générationnelle de Turner s'est avérée tout aussi divertissante et inspirante.

L'icône est décédée le 24 mai à son domicile près de Zurich, en Suisse. Elle avait 83 ans.

"Tina Turner a brisé les barrières pour les femmes sur et en dehors de la scène tout au long de son incroyable carrière", a déclaré Harvey Mason jr, PDG de The Recording Academy, de Turner, qui a reçu le GRAMMY's Lifetime Achievement Award en 2018 et a été intronisé trois fois au GRAMMY Hall of Fame. "Elle a émerveillé le public du monde entier avec ses performances électrisantes, y compris sur notre scène GRAMMY en 1985 et 2008, et était une rockstar indéniable qui a ouvert la voie à tant de personnes avec son style caractéristique et sa voix puissante. Elle manquera beaucoup à toutes les personnes qu'elle a touchées dans le monde entier."

C'est un sentiment partagé par l'industrie de la musique et le monde en général. "Elle était vraiment une interprète et chanteuse extrêmement talentueuse", a écrit Mick Jagger sur les réseaux sociaux. "Elle était inspirante, chaleureuse, drôle et généreuse. Elle m'a tellement aidé quand j'étais jeune et je ne l'oublierai jamais." Sur son site Internet, Beyoncé — qui a joué avec Turner aux 50e GRAMMY Awards — a rendu hommage à sa « reine bien-aimée », en écrivant : « Je t'aime infiniment. Je suis tellement reconnaissante pour ton inspiration et toutes les façons dont tu as ouvert la voie. Tu es force et résilience. Tu es l'incarnation du pouvoir et de la passion. « Elle était intouchable.

Le talent intouchable de Turner a incarné deux phases. Tout d'abord, sa collaboration tumultueuse avec son mari Ike Turner, au cours de laquelle ils se sont produits en duo et ont produit des tubes, dont "Proud Mary", souvent repris. La chanson immédiatement reconnaissable a valu au couple un GRAMMY Award pour la meilleure performance vocale R&B par un groupe en 1972 et a été intronisé au GRAMMY Hall of Fame en 2003. Dans son deuxième acte triomphal, Turner a rompu le partenariat. Elle s'est réinventée en tant qu'interprète solo, passant improbablement d'une rockeuse des années 60 et 70 à une pop star d'arène dans les années 1980.

Pour ses efforts, la chanteuse a balayé les principales catégories aux GRAMMY Awards de 1985, remportant le disque de l'année, la chanson de l'année et la meilleure performance vocale pop féminine pour "What's Love Got To Do With It". Elle a également remporté le gramophone d'or de la meilleure performance vocale rock féminine pour "Better Be Good To Me".

L'un de ses succès les plus indélébiles, Turner a utilisé "What's Love Got To Do With It" comme un appel à l'action, devenant brutalement honnête sur sa relation abusive avec son ex-mari en cours de route. Turner a rappelé plus tard à Rolling Stone que lorsqu'elle a quitté Ike en juillet 1976, "je n'avais rien. Je ne savais même pas comment gagner de l'argent. J'avais une fille qui travaillait pour moi qui avait travaillé pour Ike, parce qu'elle connaissait les moyens de gagner de l'argent. Je ne savais pas comment faire tout ça." Plus tard, elle a conçu ce qui est considéré comme l'un des plus grands retours de l'histoire de la musique.

Offert pour la première fois à Donna Summer – qui s'est assise sur la piste avant de finalement passer – l'auteur-compositeur Terry Britten a révélé plus tard qu'elle pensait que "What's Love Got to Do With It" était "horrible". Turner n'aimait pas non plus la chanson, mais l'a enregistrée suite aux encouragements de son manager, Roger Davis.

"J'ai dit:" Si cela ne fonctionne pas, nous ne l'utiliserons pas. Alors essayons "", se souvient Britten dans son documentaire de 2021, Tina. Ce n'est que lorsque Turner a défini sa piste vocale que la chanson est passée de la confection pop à une vitrine pour la puissance vocale. "Ils n'étaient pas habitués à une voix forte au-dessus de la musique", a déclaré Turner dans le documentaire. "Mais je l'ai converti et je l'ai fait mien."

La traduction musicale habile de Turner est évidente tout au long de sa discographie éclectique, du rock infligé par le blues qu'elle a interprété en tant que Ike & Tina Turner, aux hymnes pop comme "The Best" de 1989 (qui est devenu une marque de fabrique et, naturellement, le titre d'un album populaire des plus grands succès). En 1962, elle a été nominée pour son premier GRAMMY Award du meilleur enregistrement rock and roll pour "It's Gonna Work Out Fine", son hit de l'année précédente avec Ike qui leur a été offert après que l'auteur-compositeur Rose Marie McCoy ait vu leur spectacle énergique à l'Apollo.

Ce fut un premier succès de bon augure pour Turner, qui deviendrait un incontournable de la catégorie de la meilleure performance vocale rock féminine. Des décennies plus tard, elle a remporté des victoires consécutives dans la catégorie "One of the Living" et "Back Where We Started" en 1986 et 1987, une nomination pour "Better Be Good To Me" en 88, et a remporté le gramophone d'or en 89 pour Tina Live en Europe, parmi beaucoup d'autres.

"Mes chansons sont un peu de la vie de tous ceux qui me regardent", a déclaré Turner à Rolling Stone au milieu de sa séquence chaude en 1986. "Vous devez chanter ce à quoi ils peuvent s'identifier. Et il y a des gens torrides là-bas. Le monde n'est pas parfait. Et tout cela est dans ma performance, je joue avec."

Née Anna Mae Bullock, le voyage de Turner vers la dynamo musicale a commencé sur les terres agricoles du Tennessee où elle a découvert très tôt sa passion pour l'expression artistique. "En tant que fille, chaque fois que j'en avais l'occasion, j'allais dans notre cinéma local et mémorisais des scènes pour pouvoir les reconstituer", se souvient-elle en 2021 du Harvard Business Review. "Bien que j'aie suivi un peu de formation en chant au lycée et même appris un peu d'opéra, mes capacités de voix et de danse me sont pour la plupart venues naturellement."

Cette prouesse vocale et cette énergie inimitable en tant qu'interprète ont été pleinement exposées tout au long de sa vie derrière le microphone, l'un des exemples les plus mémorables étant "River Deep-Mountain High". Intronisé au GRAMMY Hall of Fame en 1999, son duo avec Ike a été produit par Phil Spector qui, selon Turner, lui a fait couper la voix ad nauseam avec des résultats spectaculaires. "J'ai dû chanter ça 500 000 fois", a-t-elle déclaré à Rolling Stone après que la publication ait classé le morceau n°33 de leur liste des 500 plus grandes chansons de tous les temps. "J'étais trempée de sueur. J'ai dû enlever ma chemise et rester là dans mon soutien-gorge pour chanter."

À sa mort, le New York Times l'a qualifiée de "chanteuse magnétique au pouvoir explosif". Ce pouvoir était visible sur et en dehors de la scène, à la fois dans son talent artistique et sa capacité à persévérer face aux nombreux obstacles. Dans une interview de 2005 avec Oprah Winfrey, Turner a expliqué : "Il y a une expression : 'Vous ne sortirez jamais vivant de ce monde.' C'est vrai. Nous ne le ferons pas. Allez de l'avant. Faites de votre mieux avec votre maquillage, vos cheveux et vos vêtements."

Dans cette même interview, Turner a également réfléchi à son héritage, évoquant l'inspiration qu'elle a donnée en étant son moi authentique. "Mon souhait est de donner le genre de vérité aux gens qui les aideront à changer d'avis. Quand cela arrivera, je serai le meilleur que je puisse être."

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Photo : M. Caulfield/WireImage pour la chaîne VH-1 - New York

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Que ce soit "Tears of a Clown" ou "Tears in the Club", écoutez quelques-unes des chansons les plus sournoisement tristes d'Outkast, TLC, Avicii et bien d'autres.

En 2003, OutKast a marqué son deuxième hit n ° 1 avec "Hey Ya!" Le morceau intemporel a une énergie optimiste qui vous donne envie de le secouer comme une image polaroid – jusqu'à ce que vous saisissiez ses paroles plutôt malheureuses.

« Sommes-nous si dans le déni quand nous savons que nous ne sommes pas heureux ici ? André 3000 chante sur le deuxième couplet. La ligne qui suit peut résumer sa nature contrastée : "Vous ne voulez pas m'entendre, vous voulez juste danser."

La capacité à faire ressentir (et réagir physiquement) les auditeurs à un large éventail d'émotions fait partie du génie de l'écriture de chansons. Des airs comme "Hey Ya!" - un récit triste déguisé par une mélodie contagieuse - est un tour qui a été maîtrisé par Outkast, REM, Smokey Robinson, Robyn et bien d'autres.

Si vous avez déjà joyeusement dansé sur un rythme avant de réaliser que les paroles du dessus sont en fait une grosse déception, vous n'êtes certainement pas seul. La BBC et Apple Music appellent toutes deux ces morceaux Sad Bangers, un nom approprié pour ce qui est devenu un genre non officiel au cours du dernier demi-siècle.

À la lumière du Mois de la sensibilisation à la santé mentale en mai, GRAMMY.com a compilé une liste de 15 chansons qui vous feront à la fois ressentir vos sentiments et faire bouger votre corps.

La musique entraînante de ce classique de la Motown a été écrite par Stevie Wonder, un gagnant de 25 GRAMMY qui est habile à fabriquer des larmes qui entraîneront votre corps dans une danse joyeuse. La chanson à fond de basson enregistre à 128 battements par minute, un tempo toujours privilégié par les producteurs de musique de danse moderne. Ainsi, lorsque Smokey chante "Les larmes d'un clown / Quand il n'y a personne autour", vous seriez pardonné de vous gonfler un peu pendant que vous êtes dans le groove.

Gloria Gaynor a réinventé le hit pop de 1971 des Jackson 5 "Never Can Say Goodbye" pour l'ère disco. Les vastes arrangements de cordes et le rythme du trot ont contribué à remplir les pistes de danse et à rendre la chanson poignante sur le fait de s'accrocher à son propre amour. D'autres versions de couverture d'Isaac Hayes et des Communards capturent également l'ambiance contradictoire.

Le duo britannique Tears For Fears est devenu internationalement connu après avoir doté son premier hit dansant d'un refrain déprimant et dramatique difficile à ébranler même 40 ans après sa sortie : "Je trouve ça plutôt drôle, je trouve ça plutôt triste, les rêves dans lesquels je meurs sont les meilleurs que j'aie jamais eus." Roland Orzabal et Curt Smith publieront plus tard des plats plus édifiants, tels que "Tout le monde veut gouverner le monde" et "Semer les graines de l'amour".

Kate Bush a eu trois virevoltes dans les charts du monde entier avec "Running Up That Hill", en commençant par sa sortie en 1985, puis en tant que chanson improbable de la cérémonie de clôture des Jeux olympiques d'été en 2012.

"Et si seulement je pouvais, je passerais un accord avec Dieu/Et je lui ferais changer de place/Courir sur cette route/Courir sur cette colline/Sans problème", chante-t-elle dans le chœur de la piste de course, aspirant à être plus sereine.

Plus récemment, un placement dans le drame Netflix Choses étranges en 2022 a valu au numéro de danse larmoyant et mineur dirigé une toute nouvelle génération de fans. L'artiste anglais a récemment été nommé intronisé au Rock & Roll Hall of Fame 2023.

Le chanteur principal de Midnight Oil, Peter Garrett, a canalisé la rage qu'il ressentait face au changement climatique précoce et au manque de droits fonciers aborigènes dans l'Outback australien dans "Beds Are Burning". La puissante mélodie de danse a inondé les ondes et les pistes de danse du monde entier à la fin des années 80, atteignant la 17e place du palmarès Billboard Hot 100.

"Comment peut-on danser quand la Terre tourne ?" il chante dans le chœur entraînant. "Comment fait-on pour dormir pendant que les lits brûlent ?"

Garrett avait clairement un lien personnel avec le message ardent de la chanson : il a ensuite consacré sa vie à l'activisme environnemental en tant que dirigeant de l'Australian Conservation Foundation et est devenu membre élu de la Chambre des représentants d'Australie.

Un succès de musique house sur une femme sans domicile, "Gypsy Woman (She's Homeless)" a aidé la chanteuse du New Jersey Crystal Waters à connaître un succès international malgré un sujet quelque peu sombre. Une parodie ultérieure de la série de sketchs comiques "In Living Color" a attiré l'attention sur le contraste d'avoir une instrumentation joyeuse et optimiste avec des paroles décourageantes.

"Elle est comme toi et moi/Mais elle est sans-abri, elle est sans-abri", sonne le refrain. "Alors qu'elle se tient là à chanter pour de l'argent / La da dee la dee da…"

Cette collaboration optimiste est entre le groupe de rock REM et la chanteuse de B-52, Kate Pierson. La guitare pop jangly vous donne envie de taper des mains et de taper du pied, mais les paroles vous font vous demander si tout est vraiment aussi brillant et joyeux.

On dit que la chanson parle du massacre de la place Tiananmen en Chine, car l'expression « Shiny Happy People » est apparue sur des affiches de propagande. Pierson n'en est pas si sûr, cependant.

"Je ne peux pas imaginer que REM pensait à l'époque, Oh, nous voulons que cette chanson parle de la propagande du gouvernement chinois", a-t-elle déclaré dans une interview de 2021 avec Vulture. "C'était censé être brillant et joyeux. C'était une chose positive à tous points de vue."

"Waterfalls" a été un succès mondial pour TLC en 1994, grâce à son refrain et sa ligne de basse funky. Le rebond insistant de la chanson adoucit un avertissement lyrique ferme qui éloigne les gens du bord : "N'allez pas courir après les chutes d'eau/Veuillez vous en tenir aux rivières et aux lacs auxquels vous êtes habitué/Je sais que vous allez vous en sortir ou rien du tout/Mais je pense que vous allez trop vite."

"Nous voulions faire une chanson avec un message fort – sur les relations sexuelles non protégées, la promiscuité et le fait de traîner dans la mauvaise foule", a partagé Rozonda "Chilli" Thomas avec The Guardian en 2018. "Les messages dans" Waterfalls "ont frappé à la maison. Je pense que c'est pourquoi c'est notre plus grand succès à ce jour. "

André 3000 chante les relations sans amour sur un rythme de danse fantaisiste et décalé dans le temps sur ce hit du Billboard Hot 100. Le sérieux de la chanson - dont André 3000 a un jour expliqué qu'il s'agissait de "l'état des relations dans les années 2000" - s'est perdu parmi de nombreux auditeurs.*

Ses paroles malheureuses étaient masquées par le chant énergique d'André, ainsi que par le groove entraînant de la guitare et du clavier, qui double contagieusement de vitesse à la fin de tous les quatre temps. Même Outkast eux-mêmes n'ont pu s'empêcher de reconnaître la juxtaposition de la chanson dans un tweet de 2021.

Un avant-dernier exemple d'un banger triste est "Dancing On My Own" de la pop star suédoise Robyn. La chanson triste – un top 10 des succès dans plusieurs pays – vous ordonne de secouer vos affaires, tout en vous imaginant en train de regarder votre ex passer au club. La couverture de Calum Scott en 2016 fait vraiment ressortir la tristesse qui peut être obscurcie par la version uptempo de Robyn.

"J'ai dit, je suis dans le coin, je te regarde l'embrasser, oh non/Et je suis juste là, pourquoi tu ne peux pas me voir ?" Robyn chante dans le chœur. "Et je donne tout ce que je peux / Mais je ne suis pas la fille que tu ramènes à la maison."

amusant. (le trio de Jack Antonoff, Andrew Dost et Nate Ruess) est surtout connu pour la ballade pop-rock "We Are Young", qui parle de l'enthousiasme sans relâche positif des jeunes en ville. La chanson titre de leur album de 2012 Some Nights (qui contient "We Are Young") est une chanson beaucoup plus dansante, mais plus triste.

"Quelles sont les valeurs que je défends?" demande Ruess alors que vos pieds se déplacent au rythme du rythme. "La plupart des nuits, je ne sais plus."

Avicii a collaboré avec la chanteuse pop soul Aloe Blacc pour ce top mondial qui est considéré comme l'un des meilleurs hymnes d'EDM. Le rythme claquant masque les paroles tristes et auto-réfléchissantes du morceau sur le fait d'être perdu.

La mort par suicide du DJ/producteur suédois en 2018 ajoute un air encore plus lourd au refrain passionné de Blacc : "Alors réveille-moi quand tout sera fini/Quand je serai plus sage et que je serai plus vieux/Tout ce temps, je me trouvais, et je/je ne savais pas que j'étais perdu."

"Never Be Like You" n'est pas la coupe la plus rapide de la discographie riche en basses du DJ/producteur australien Flume, mais le morceau vaporeux a toujours une bosse irrésistible. La chanteuse canadienne Kai supplie son amant de ne pas la quitter (« Comment puis-je te donner envie de rester ? »), mais son ton charmant parvient toujours à garder la chanson pleine d'espoir.

La sélection la plus manifeste de toute cette liste est peut-être "Tears In The Club", qui trouve des brindilles FKA et The Weeknd se rendant sur la piste de danse pour se débarrasser des vestiges d'une mauvaise relation. Le chanteur / danseur a été franc sur le fait d'être dans une relation abusive, et la chanson est un bop discret soutenu par des chants désespérés tels que "Je pourrais mourir sur le rythme, mon amour".

Près de 30 ans après que le DJ/producteur Todd Terry ait aidé à présenter Everything But the Girl à la communauté internationale de la musique dance avec un remix de "Missing", le duo s'est penché sur son côté électronique sur "Nothing Left to Lose". Un single de leur premier album en 24 ans, Fuse, "Nothing Left to Lose" présente une ligne de basse électronique étouffante qui contraste avec le désir impuissant de la chanson.

"J'ai besoin d'une peau plus épaisse/Cette douleur continue de me pénétrer/Dis-moi quoi faire/Parce que je t'ai toujours écouté", chante Tracy Thorne du couple dans le couplet d'ouverture. Plus tard, elle fait une demande qui résume bien les conflits d'un banger triste par excellence : "Embrasse-moi pendant que le monde se décompose."

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Photo : Frazer Harrison/Getty Images pour Coachella

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Le secteur de la musique live est toujours aux prises avec les répercussions de la pandémie. GRAMMY.com s'est entretenu avec un échantillon représentatif de professionnels des changements les plus profonds de l'industrie, de la manière dont ils sont traités et de ce que tout cela pourrait signifier pour l'avenir.

La pandémie a fait des ravages dans le monde à plusieurs niveaux. Au-delà du bilan humain, les perturbations provoquées par la propagation du COVID-19 ont causé des dommages profonds et durables à presque tous les secteurs d'activité, y compris le divertissement en direct. Pratiquement du jour au lendemain, les travailleurs ont perdu leurs moyens de subsistance, les entreprises ont fermé leurs portes ou ont considérablement réduit leurs activités et les chaînes d'approvisionnement ont été entravées.

Quelques jours après le verrouillage, plusieurs médias ont publié des articles qui donnent à réfléchir détaillant les tournées, concerts et festivals qui avaient été touchés par l'épidémie ; L'article d'Insider.com a identifié au moins 170 reports ou annulations. En un éclair, tous les artistes du monde entier ont vu le côté performance de leur carrière se vaporiser. Les équipages ont été renvoyés chez eux et toutes les entreprises qui desservaient le secteur – logistique, équipement audio, restauration et plus encore – ont trouvé un paysage aride.

Pendant la pandémie, le principal promoteur Live Nation a vu une baisse drastique du nombre de concerts et de festivals sous sa bannière : de plus de 40 000 événements en 2019 à un peu plus de 8 000 en 2020. Mais à la fin de 2022, Pollstar.com a rapporté que les 100 meilleures tournées de l'année avaient vendu environ 59 millions de billets, soit plus que les ventes de 2019.

Trois ans après le début de la pandémie, la vie revient à bien des égards à la normale. Pourtant, les coûts associés à l'organisation d'un concert ont considérablement augmenté, en raison à la fois des pressions inflationnistes de la pandémie et d'une augmentation de la demande de biens et services nécessaires pour soutenir les tournées. Pour ceux qui travaillent dans et autour de l'industrie de la musique live, la "nouvelle normalité" signifie que certaines choses fonctionnent comme avant COVID-19 tandis que d'autres ont radicalement changé - temporairement ou pour de bon.

GRAMMY.com s'est entretenu avec un échantillon représentatif de professionnels de l'industrie de certains des changements les plus profonds, de la manière dont ils sont traités et de ce que tout cela pourrait signifier pour l'avenir.

Nouveaux paradigmes de tournée

Le retour de la musique live s'est accompagné d'une augmentation correspondante de la demande, note Christy Castillo Butcher, vice-présidente principale, Programmation et réservation au stade SoFi de 70 000 places à Inglewood, en Californie. "Pour satisfaire cette demande, vous devez avoir une salle plus grande."

Rien qu'en 2023, le SoFi Stadium accueille plusieurs mégashows : Billy Joel & Stevie Nicks, Grupo Firme, Romeo Santos, une résidence Taylor Swift de cinq nuits, Metallica, Beyoncé, Ed Sheeran et P!nk sont tous au calendrier du lieu, avec des spectacles supplémentaires en attente d'annonce. Madison Square Garden a vu plusieurs représentations à guichets fermés de Janet Jackson et accueillera une résidence Phish de sept nuits.

Depuis la pandémie, certains artistes ont adopté différentes approches des tournées. Les tournées et les résidences en tandem ne sont que deux des phénomènes qui semblent gagner en popularité auprès des artistes en tournée et de leurs équipes de direction.

Faire équipe pour une tournée en tandem n'est pas une idée nouvelle; Les voyages à forfait font partie du paysage des concerts depuis l'époque de la Caravane des étoiles de Dick Clark au milieu des années 1960. Et à une époque où les pénuries post-pandémiques et les problèmes logistiques rendent les tournées encore plus difficiles, la pratique connaît un regain d'intérêt.

L'une des tournées en tandem les plus médiatisées de 2023 est la tournée ZZ Top / Lynyrd Skynyrd Sharp Dressed Simple Man. Visitant plus de 22 villes à travers les États-Unis, la tournée réunit ZZ Top, trois fois nominés aux GRAMMY, avec le célèbre groupe de rock sudiste.

"Vous voulez donner aux fans la valeur de voir deux groupes ensemble", explique Ross Schilling, directeur de tournée de Lynyrd Skynyrd. (Pollstar a rapporté un prix moyen des billets pour les 100 meilleures tournées nord-américaines au premier semestre 2022 à plus de 108 $. Pendant ce temps, les prix des billets pour des mégastars telles que Beyoncé et Swift ont atteint des niveaux astronomiques.)

Schilling reconnaît qu'il y a aussi des avantages et des inconvénients pour les artistes. "Vous partagez les dépenses et les revenus", note-t-il, ajoutant que la production est souvent divisée par deux. "Vidéo, pyro, fumée, quel que soit le type d'éléments que vous souhaitez ajouter" peut être partagé lors d'une visite en tandem.

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Une autre option en pleine renaissance est la résidence de concert. "Les résidences ne sont pas nouvelles, bien sûr", déclare Phil Carson, un vétéran des tournées et de la gestion qui a passé de nombreuses années sur la route avec des groupes de rock de renom tels que Led Zeppelin, Bad Company, AC/DC et Yes. "Ils ont commencé avec des gens comme Frank Sinatra et Sammy Davis Jr. alors qu'il n'y avait vraiment qu'un seul endroit où aller : Las Vegas."

Aujourd'hui, il y a beaucoup plus d'options, mais les motivations sont souvent les mêmes qu'avant. "Sammy, Dean Martin… tous ces gars voulaient passer du temps ensemble et ne voulaient pas prendre la putain de route", explique Carson. Au fur et à mesure que leur public grandissait, ils étaient eux aussi intéressés par l'idée d'aller à un endroit pour voir leurs artistes préférés.

Et Carson pense que l'approche multi-nuit pourrait bien faire partie d'une tendance pour l'avenir. "Nous commençons à avoir des courses de deux et trois nuits dans les casinos à travers l'Amérique", dit-il. Adele, Bruno Mars, Maroon 5, Luke Bryan, Katy Perry, Carrie Underwood et Carlos Santana ne sont que quelques-uns des artistes qui évitent la route au profit d'une série de dates dans un même lieu.

La tendance s'étend également aux petites salles. Le chanteur / compositeur James McMutry et son groupe ont lancé une résidence au Austin 'Continental Club en novembre 2021; cette réservation se poursuit jusqu'à nos jours. Et en août dernier, Robert Glasper a annoncé une résidence de 48 spectacles au Blue Note Club de New York ; c'est sa quatrième série prolongée de dates dans la célèbre salle de jazz.

Les festivals reviennent en force

Suite à une demande accrue de divertissements en direct après le verrouillage, les grands festivals de musique sont revenus en force en 2022 et continuent de le faire en 2023. Coachella et Lollapalooza faisaient partie des événements de plusieurs jours et de plusieurs week-ends qui reviennent après les annulations forcées par COVID, tandis que des événements de niveau intermédiaire tels que Outside Lands de San Francisco ont également accueilli plus de 220 000 participants en 2022 – une aubaine majeure pour une industrie de la musique live qui était en crise seulement un an auparavant.

Célébrant et présentant une programmation multigénérationnelle d'artistes et d'interprètes Latinx, le Bésame Mucho Festival a été créé en décembre 2022 au Dodger Stadium d'une capacité de 56 000 places. Billets vendus en 70 minutes. La programmation de l'événement 2023 a été annoncée en février; encore une fois, l'événement s'est vendu presque immédiatement.

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Ashley Capps a été totalement immergée dans la scène des festivals ; ancien directeur d'AC Entertainment, il a supervisé pendant de nombreuses années le festival annuel Bonnaroo Music and Arts. Ces jours-ci, il a réduit ses activités mais continue d'organiser l'aventureux Big Ears Festival qu'il a fondé en 2009 à Knoxville, Tennessee.

"Les grandes oreilles post-pandémiques ont connu une croissance extraordinaire", dit-il, notant une trajectoire de croissance pré-COVID, avec une augmentation annuelle de 20% des ventes de billets. Les Big Ears 2022 – les premières après une pause de deux ans – ont connu une croissance de 35 %. "Cela nous a amenés à déclarer notre première vente complète", dit-il, "cinq semaines avant le début du festival."

En 2023, Big Ears a noté une nouvelle augmentation des ventes de billets, dépassant 50% par rapport à l'année précédente. Le festival à plusieurs sites a ajouté des salles plus grandes supplémentaires pour répondre à la demande accrue. Les spectateurs "ont certainement faim de se replonger dans l'expérience de la musique live", déclare Capps. "Et les artistes avec lesquels nous travaillons à Big Ears sont impatients d'être de retour et devant un public reconnaissant."

Cette demande refoulée des deux côtés de l'équation peut entraîner un champ bondé, avec de nombreux événements - même au-delà de la musique - en concurrence à la fois pour l'attention, le personnel et l'équipement.

Le coût de la musique

Les goulots d'étranglement logistiques mondiaux qui sévissent dans toutes les industries continuent de peser sur l'industrie de la musique live. L'inflation économique mondiale - qui a atteint 8,8% en 2022, doublant presque d'une année sur l'autre, résultat partiel de la pandémie - a augmenté les coûts et réduit les bénéfices, jetant les bases d'une "route difficile vers la reprise". Se retrouvant sans opportunités de travail pendant la pandémie, un nombre incalculable de techniciens de tournée qualifiés ont quitté l'entreprise.

"Les gens ont quitté l'industrie à tous les niveaux, des musiciens aux agents en passant par les managers, les barmans et le personnel de production", a déclaré Morgan Margolis, PDG/président de Knitting Factory Entertainment. "'Je dois faire autre chose.' J'ai vu beaucoup de ça." Certains ne sont jamais revenus, provoquant une pénurie de personnel une fois que les tournées en direct ont repris.

Tout cela a également affecté les salles de concert. "Nous tournions autour des directeurs de tournée, des directeurs de production, du personnel du box-office", explique Margolis. Il caractérise son entreprise - active à l'échelle nationale dans l'exploitation de sites, de festivals, de gestion d'artistes, de tournées et plus encore - comme une opération "tout le monde sur le pont". "En fait, j'ai suspendu quelques verres à Walla Walla lors d'un concert d'Aaron Lewis", dit-il.

L'augmentation des coûts signifie qu'il est essentiel d'exécuter l'opération la plus simple possible tout en maintenant la qualité. Margolis se souvient du paysage lorsque la musique live a commencé à revenir en 2022. « Vans et bus : tout manquait, même les voitures de location », se souvient-il. "Et tout - les générateurs, les appareils d'éclairage, les plates-formes de mise en scène - coûtait maintenant 20 à 30 % plus cher, car tout le monde était si dispersé."

Mais comme beaucoup dans l'industrie, Margolis a simplement tiré le meilleur parti des choses. "Personnellement, j'étais ravi d'être à nouveau sur le terrain", dit-il. "Je voulais être entouré de gens."

Après une vague presque écrasante d'artistes musicaux qui se sont remis à la performance en direct, il dit qu'il voit un état d'esprit "plus méthodique" s'installer. Cela se compare à la façon dont il caractérise 2022 : "Jetez tout contre le mur : nous allons partout !"

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Autre nouveauté : les changements de règles proposés par les services de citoyenneté et d'immigration des États-Unis (USCIS) augmenteraient les coûts d'obtention d'un visa américain pour les musiciens internationaux jusqu'à 260 %. "Plus ces politiques sont élaborées, plus il nous est difficile de partager notre musique", déclare Sampa le Grand. L'auteur-compositeur-interprète et rappeur zambien note que les changements proposés toucheront particulièrement les artistes indépendants : "La tournée est le seul moyen pour que notre musique soit entendue dans le monde entier."

De telles augmentations de coûts généralisées peuvent signifier que certains artistes internationaux doivent avoir des conversations difficiles. Si ce n'est par le biais de tournées, Sampa the Great se demande : "Comment pouvons-nous entrer en contact avec les personnes qui soutiennent notre musique ? Et comment pouvons-nous, les artistes indépendants, soutenir notre carrière en faisant de la musique ?"

Schilling admet que pendant le pire de la fermeture, il a pensé à prendre sa retraite – tout comme l'un de ses plus gros clients. Skynyrd a commencé une tournée d'adieu en 2018, qui a finalement été interrompue par la pandémie, provoquant une sérieuse introspection. "Quand le gagne-pain de tout le monde leur a été arraché, ils ont décidé 'Nous voulons sortir selon nos propres conditions.'" La tournée en tandem de cette année avec ZZ Top remet les choses en ordre, ajoute Schilling.

Ce genre de pensée est répandu parmi les professionnels qui restent dans le jeu après la COVID. Qu'il s'agisse de propriétaires de salles, de directeurs de tournée, d'équipes ou d'artistes, la chance de reprendre la route l'emporte sur les défis auxquels ils seront inévitablement confrontés. Il existe de nombreux cheminements de carrière plus faciles que de travailler dans l'industrie de la musique live, mais peu peuvent se comparer à ses récompenses.

Changements dans les coulisses et après le spectacle

Avant la pandémie, de nombreux artistes en tournée organisaient des séances de rencontre avant ou après leurs spectacles. Ils offraient une opportunité d'interaction entre les fans et les artistes et représentaient une source de revenus supplémentaire pour les artistes. Pendant l'ère de la pandémie, ces sessions ont disparu, même pour les nouveaux spectacles qui pouvaient encore avoir lieu. Aujourd'hui, même si la distanciation sociale forcée a largement disparu, l'état des rencontres n'est plus ce qu'il était.

"Mes trois derniers artistes ne font pas de rencontres, car il y a toujours cette inquiétude de COVID", explique David Norman, promoteur, directeur de tournée, manager et comptable de longue date actuellement en tournée avec Evanescence ; ses anciens clients ont inclus Prince, John Fogerty, Earth Wind & Fire, Green Day, Alicia Keys, Tyler, the Creator et bien d'autres.

Norman souligne que ses artistes subissent un coup financier en éliminant les rencontres. "Mais il vaut mieux prévenir que guérir", dit-il, notant qu'un musicien dont le test COVID est positif peut "arrêter [les performances] pendant des semaines. Ensuite, vous devez réacheminer [la tournée] et rembourser de l'argent aux personnes qui ne peuvent pas venir aux spectacles reprogrammés. "

D'autres adoptent une approche différente. "Lynyrd Skynyrd fera des rencontres", a déclaré Schilling, ajoutant que son équipe "veut revenir à la normale autant que possible, aussi vite que possible". André Cholmondeley est un musicien, un directeur de tournée de longue date et un professionnel du support technique qui a travaillé comme technicien de guitare pour le guitariste de Yes Steve Howe.

Avant 2020, "si vous achetiez le forfait meet-and-greet, vous pouviez leur serrer la main", dit-il. "Il y avait beaucoup de câlins et de photos." Maintenant, l'expérience implique plus de gestes et de coups de poing. Foreigner, quant à lui, a récemment échangé des rencontres avec des sessions de questions-réponses. "Tout le monde passe un bon moment, et le groupe ne s'ennuie pas car c'est différent chaque soir", déclare Phil Carson, le directeur de tournée du groupe.

La vie loin du public a également changé.

"Un changement majeur à tous les niveaux est l'énorme différence dans la restauration", déclare Cholmondeley, qui a récemment tourné avec Pat Metheny et Ani DiFranco. Avant COVID, les artistes en tournée et leurs équipes trouvaient généralement un buffet dans les coulisses. "Nous commandons beaucoup plus de nourriture maintenant", explique Cholmondeley. "Vous recevez deux menus par SMS chaque jour."

Carson note que le groupe a trouvé une solution alternative qui fonctionne pour eux. "Notre chanteur Kelly Hansen est un chef qui a remporté un épisode de "Chopped" de Food Network", dit-il avec fierté. "Il a toute une gamme de cuisines dans notre bus de tournée. Il fait le petit-déjeuner, il fait des tacos après le spectacle."

Carson admet volontiers qu'une telle approche contraste fortement avec les repas de rue rock'n'roll des années 70. "A l'époque," dit-il avec un rire chaleureux, "c'était quelques lignes de coca et une bouteille de Jack Daniel's!"

Combler le fossé

À partir de mars 2020, les annulations et les perturbations provoquées par la pandémie se sont répercutées sur l'ensemble de l'industrie de la musique live. Mais alors que le secteur des entreprises entre dans le troisième trimestre de 2023, l'attention est à nouveau tournée vers l'avenir et l'optimisme prudent prévaut.

La saison des festivals est officiellement en cours, avec Coachella concluant deux week-ends d'excitation à grande échelle, et une foule d'autres événements prévus tout au long de l'été promettant plusieurs mois actifs pour les musiciens et les équipages en tournée. La tournée Eras de Taylor Swift se vend rapidement, tandis que la tournée Renaissance de Beyoncé ne fait que commencer (en grande pompe, comme prévu). C'est comme si la tournée telle que nous la connaissions autrefois revenait à sa place.

Même en se concentrant sur l'enregistrement - elle compte deux albums, un EP, deux mixtapes et près de 30 singles - Sampa the Great souligne l'attrait de la musique live pour le public et l'artiste.

"La performance est le meilleur moyen de se connecter avec un public", dit-elle. "Vous traduisez votre musique de l'audio à quelque chose de visuel, quelque chose de physique. Cela comble l'écart entre le simple fait d'entendre un artiste ou de le voir sur les réseaux sociaux et de faire réellement l'expérience de l'artiste."

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